Phantastische Tierwesen und wo sie zu finden sind

VON NIFFLERN, KNUDDELMUFFS UND MONDKÄLBERN

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Was würde ich nicht alles dafür geben, bei solchen Filmen einmal den eigenen kreativen Input beisteuern zu können. Leider wird das wahrscheinlich niemals möglich sein, und so gebe ich klein bei und erfreue mich schlicht und einfach an diesen zwei Stunden phantastischen Kinos, in welche es sich lohnt, einzutauchen.

5 Jahre nach dem letzten Kinoevent über den Zauberlehrling Harry Potter und sein finales Gefecht gegen Lord Voldemort hat sich Schöpferin Joanne Rowling dazu durchgerungen, das Universum der Zauberer zu expandieren. Sowohl auf der Bühne – siehe Harry Potter und das verwunschene Kind – als auch im Kino.

Basierend auf einem von ihr verfassten Büchlein mit dem Titel Phantastische Tierwesen und wo sie zu finden sind hat sie gemeinsam mit Warner Brothers eine neue Tür in die leider schon zusehends verblassende, magische Welt aufgestoßen. Eine Tür, die in eine Zeit führt weit vor der Geburt des Jungen mit der Narbe. Sie führt in die 30er Jahre New Yorks und widmet sich den Abenteuern eines Charles Darwin der metaphysischen Welt – Newt Scamander. Wer das ist? Nun, jeder, der Harry Potter gelesen oder gesehen hat, kennt das bissige, haarige Buch aus dem ersten Teil Harry Potter und der Stein der Weisen, welches der Halbriese Hagrid für Studienzwecke an seine Schüler verteilt. Dieses originelle Werk stammte aus der Feder des eben genannten Wissenschaftlers, der sich dem Schutz und der Pflege seltener, magischer Kreaturen gewidmet hat. Sein jüngstes Projekt führt ihn in den Big Apple zu einer für Zauberer relativ ungemütlichen Zeit. Irgendwas ist da im Busch, merken die No-Maj (die Muggel Amerikas) und stehen kurz davor, die im Untergrund lebenden Andersgearteten zu entlarven. Der zerstreute und fahrige Intellektuelle Scamander hat alsbald nebenbei noch alle Hände und Zauberstäbe voll zu tun, um aus seinem unergründlichen Koffer entflohene Tierwesen wieder einzufangen. Soviel zum Anfang einer liebevoll erzählten, atemberaubend phantastischen Episode aus einer Welt, die es wert ist, am Leben erhalten zu werden. Sie steckt voller bizarrer Einfälle, kreativer Details und – was das Schönste und Berauschendste an diesem wohl besten aller Rowling-Verfilmungen ist – voller fremdartiger Kreaturen. Alleine die Szene des Filmes, in welcher Scamander seinem No-Maj-Freund Kowalski sein Bestiarium präsentiert, lädt zum kindlichen Staunen ein. Hier haben sich Creature Designer, Kenner der Anatomie und allerhand kreative Köpfe in gelungenen Phantastereien verewigt. Diese Bandbreite an skurrilen, witzigen und traumartigen Lebewesen hatte man zuletzt in Star Wars 7, aber auch – und das ist schon etwas länger her – in der Science-Fiction Komödie Men in Black gesehen. Und zwischen den Phantastischen Tierwesen und den schwarzgekleideten Bewachern extraterrestrischer Einwanderer gibt es tatsächlich Gemeinsamkeiten. Nicht nur die Artenvielfalt nichtmenschlicher Wesen, auch die Tatsache, dass eine für Otto Normalverbraucher nicht einsehbare Parallelwelt vor dessen vernichtendem Zugriff geschützt werden muss. Was der Mensch nicht kennt und nicht versteht, ist mal per se Freiwild, begründet aus der Angst vor dem Unbekannten. Men in Black hat sich dieser Tatsache mit viel Humor genähert – Rowling tut das in ihrer erfundenen Welt auch auf eine augenzwinkernde, aber viel ernsthaftere Art und Weise. Der Bruch zwischen Zauberer und Muggel ist ein für sie schwer bis gar nicht überwindbarer. Diese geteilte Welt ist aber auch Basis für allerhand Komplikationen, die derlei Abenteuer wie in diesem Film überhaupt erst möglich – und spannend machen. Denn das ist dieser Film – neben all seinen zauberhaften, visuellen Reizen bietet er handfestes, fast schon traditionell klassisches Retrokino mit Schauspielern, die ihre Rollen mit der charmanten, leicht konservativ-naiven Patina des frühen Hollywood schmücken. Und so eine charakterliche Eigenheit ausstrahlen, die liebgewonnen werden muss. Eddie Redmayne setzt seinen Scamander erstmal enorm zurückhaltend an, um dann in seiner Begeisterung für alles Tierische aus sich herauszugehen. Sehr überzeugend, genauso wie die Rolle Dan Foglers als Kowalski, der auf unglaublich warmherzige, schräge Art auf die für ihn vollkommen neue, magische Welt reagiert – für mich ein Kandidat für den Nebenrollen-Oscar.

Überhaupt ist die gesamte Besetzungsliste mehr als geglückt – durch ihr Spiel und durch die bewährte Kunstfertigkeit von Harry Potter-Kenner Peter Yates atmet das ansatzweise als Prequel verstandene anthologische Werk die verspielte, aber niemals infantile Magie, die den anderen Filmen und vor allem den Büchern innewohnt und in keiner Szene ernsthafter daherkommt als notwendig. Durch diese Mischung aus märchenhaftem Zoospaziergang und thrillerhafter Gratwanderung zwischen Zauberstabduellen und Geheimagentencharme aus der Vorkriegsära gelingt der wohl beste Ausflug in die Bilderwelten Rowlings. Eine opulenter, schwelgerischer, aber niemals verschwenderischer Zirkus voller Magier und Zauberwesen, so greifbar und begreifbar wie noch nie.  

Phantastische Tierwesen und wo sie zu finden sind

American Sniper

DER DURCH DIE HÖLLE GEHT

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Von Anfang an wollte ich diesen Film eigentlich gar nicht sehen. Ein kriegsverherrlichender Hurra-Propagandafilm, USA-Loblied und Weltpolizeidrama über einen Waffennarren, der als Army-Scharfschütze mit den meisten Abschüssen in die unrühmliche Geschichte des amerikanischen Militärs eingegangen ist? Sowas steht natürlich nicht auf meiner To Do Liste. Doch irgend etwas an diesem von den Filmkritikern und Medien kolportierten Vorab-Feedbacks hat mich stutzig werden lassen. Ist American Sniper nun eine unreflektierte Verfilmung der Autobiografie des manischen Scharfschützen Chris Kyle – oder eine kritisch hinterfragende Betrachtung seiner Erlebnisse? Letztendlich hat die Neugierde gesiegt, und einige Zeit nach der Kinopremiere im Jahr 2015 war es an der Zeit, sich hier ein eigenes Bild der Zustände zu machen – und klarzustellen, ob Clint Eastwood tatsächlich das militärische Gehabe Amerikas in Schutz nimmt oder das Wesen der Kriegsführung an sich an den Pranger stellt.

Nun, überraschenderweise liegt die Tendenz der Erzählweise des Filmes zumindest stellenweise eindeutig im Bereich des Antikriegsfilmes. Eastwood lässt seinen Chris Kyle zwar nicht als krankhaften Psychopathen daherkommen, allerdings aber als eine vom Krieg besessene, arme Seele, die verlernt hat, in der Eintracht eines glücklichen Familienlebens seine Ruhe zu finden und stattdessen seiner Todessehnsucht nachgibt und immer wieder in den Krieg zieht. Immer wieder, bis zur inneren Zerrüttung. Seine Figur erinnert an jene Christopher Walkens in Die durch die Hölle gehen – einem erschütternden Plädoyer wider den Krieg, meisterhaft umgesetzt von Altmeister Michael Cimino. Walken war in seiner Rolle als Vietnamkriegssoldat den Foltermethoden der Vietcong ausgesetzt und konnte, obwohl ein Überlebender, niemals mehr in die Geborgenheit eines normalen Lebens zurückkehren. Stattdessen war der Zustand permanenter Angst und Todesnähe die einzige Möglichkeit geblieben, sich selbst wahrnehmen zu können. Ein Trauma, das niemals geheilt werden kann. Tatsächlich findet sich auch in American Sniper anfangs eine Szene bei der Hirschjagd wieder, die an The Deer Hunter (dt. Die durch die Hölle gehen) erinnert. Ähnlich wie den Leidensgenossen aus dem Klassiker der frühen 80er erging es Jeremy Renner in dem Oscar gekrönten Irakkriegsdrama The Hurt Locker. Als Bombenentschärfer, tagtäglich für sein eigenes Überleben und für das der anderen verantwortlich, war es auch ihm unmöglich, der Spirale aus abstumpfender Angst, Gefahr und Nervenkitzel zu entkommen. Alle drei Filme schildern auf unterschiedliche Weise, was die Allgegenwärtigkeit des Krieges mit der Psyche eines Menschen anstellen kann. Ein Zurück in die Normalität dürfte es anscheinend nicht geben. Diese Entrücktheit schafft Hangover-Buddy Bradley Cooper auf intensive Weise zu interpretieren. Seine Leistungen sind in diesem biografischen Psychodrama famos. Hier zeigt er mehr oder weniger im Alleingang, was er wirklich kann. Vor allem in seinen durchdringenden, verstörten Blicken liegt die ganze Tragödie seines dargestellten Charakters.

Clint Eastwood ist nichts vorzuwerfen, und man ist fast bis zum Schluss geneigt, ihm hundertprozentig zuzustimmen. Wäre da nicht seine gegen Ende immer deutlichere Apotheose Chris Kyles als Märtyrer in einer scheinbar von oben legitimierten Kriegsmaschinerie der Vereinigten Staaten. Dass der Krieg böse ist, dürfte auch dem mittlerweile alt gewordenen Westernhelden klar sein. Dass er eine Notwendigkeit ist, welche die Supermacht USA als Bürde auferlegt bekommen hat, dürfte aus seiner Sicht seine absolute Richtigkeit haben. Doch allerdings nur aus seiner Sicht.
Und so will der ganze Film letzten Endes – trotz seiner sensiblen Darstellung des zermürbenden Grauens und der schauspielerischen Stimmigkeit – nicht so wirklich überzeugen. Und das liegt zweifelsohne an der ambivalenten patriotischen Ideologie, die dahintersteckt. Ein pathetischer Kriegsfilm also, der ein Antikriegsfilm sein will.

American Sniper

Nerve

KRIEG DER SMARTPHONES

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nerve

Es ist eine der größten Veränderungen, die innerhalb des letzten Jahrzehnts passiert sind: unsere Bekanntschaft mit der Grauzone Social Media. Seit es YouTube, Twitter und Facebook gibt, hat sich die vor allem urbane Gesellschaft insofern verändert, da sich dessen Leben mittlerweile zu einem nicht zu vernachlässigenden Teil in einer virtuellen, anonymen Welt abspielt, in der das Faustrecht der Masse, Rechtlosigkeit, verbale Verbrechen, Vogelfreiheit und Rufmord vorwiegend unzensierte, wildwuchernde Blüten treibt. Wie der Mensch denkt, tickt und seine Zeit verbringt – das bringen die sozialen Medien ans Tageslicht, unverblümt, unverfälscht, zu kollektivem Schwachsinn einladend und dabei die Intelligenz des Homo Sapiens im Herdentrieb-Modus auf einen niedrigen Quotienten herunterbrechend. Kaum irgendwo sonst wissen Medien, Nachrichten und Falschmeldungen so erfolgreich zu manipulieren und wenig gefestigten Gemütern, die Angst davor haben, sich selbst Meinungen zu bilden, vorgefertigte Gehirnwäschen zu verpassen. Und letzten Endes befinden wir uns in einem virtuellen Kolosseum, in welchem die jubelnde Meute mit Klicks, Likes und Followings über das Schicksal ausgelieferter Gladiatoren bestimmt. Social Media als unterschwellige Gefahr im Verzug. In welcher Verbote, Gesetze und Erlasse wie wage, undefinierte Schemen alles erlauben, nichts verbieten und zugunsten wirtschaftlicher Interessen bis zur pseudodemokratischen Legitimität ausgelegt werden. Und das ist auch das Thema dieses hippen Medienthrillers, der die Gesellschaft in Players und Watchers einteilt, im Rahmen eines Onlinespiels namens Nerve, das so ähnlich funktioniert wie das altbekannte Pflicht oder Wahrheit, nur, dass es keine Wahrheit gibt, sondern nur Pflicht. Und irgendwann wird die Pflicht zur Bürde, zur Gesetzen überschreitenden Herausforderung, die die Youngsters in dem Film logischerweise alle annehmen, um natürlich nicht als Loser dazustehen und keine Fans zu verlieren.

Der optisch ansprechende, schnell geschnittene Thriller kommt zur richtigen Zeit. Und ist nur einer von wenigen Filmen, die sich dieses spannenden Themas angenommen haben, mal abgesehen von plakativen Mobbinghorrorfilmen, welche die gesamte Bandbreite nur aus dem schmalen Blickwinkel niederträchtiger Psychopathen betrachten. Dafür kann man Nerve nur gratulieren. Ansonsten wirkt der Reißer wie die Vorlage zu einem Film, der die gesellschaftskritischen Ansätze besser und erwachsener auszuführen wüsste. Nerve tut das nicht. Nerve bleibt ein Teeniethriller mit lächerlich naivem Ausgang, der, so dargestellt, real nie passieren würde. Trotz aller augenscheinlich moralischen Betrachtungen surft der Film hinter rosaroter Brille über den Köpfen einer unerschütterlich moralgefestigten Bevölkerung, die nur mal kurz ihre Prinzipien hinter einer unterhaltsamen Realityshow versteckt hält. Der gute Glaube in den Menschen mag ja vor allem junge Kinogeher mit dem Social Media wieder versöhnen, cool bleibt das fragwürdige Spiel aber dennoch. Wenn das Smartphone zur Waffe wird, kann ein Film allein schwer zum Umdenken anregen, das ist ohnehin klar. Aber die ansatzweise relevanten Fragen zur dunklen Seite der modernen Völkerverständigung versickern in einem weichgespülten Kosmos aus Jugenddrama und zeitgeistigem Gladiatorenspiel.

Wie Jumanji für eine breite, narzisstische Mittelschicht, die alles hat und nichts mehr braucht. Dennoch – ich hoffe auf jede Menge Likes für meine Rezension. Weil es ja um nichts Anderes geht, außer gesehen und bewundert zu werden. Oder doch nicht?

Nerve

Trolls

EIN FALL FÜR DIE TROLLFAHNDUNG

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trolls

Glück kann man nicht essen. Und das gibt’s auch nicht in kleinen, pharmazeutischen Dosen, abgepackt in Form von farbenfrohen Wichteln, die sich Trolls nennen, und eine erstaunliche Vorliebe für Cupcakes, Singen und Kuscheln an den Tag legen. Tatsächlich handelt das allem Anschein nach superkitschige Märchen von ewig partyschmeißenden, knapp zehn Zentimeter großen Gnomen, die von griesgrämigen Riesen namens den Bergen unentwegt gejagt, gefangen und verputzt werden, um durch die orale Einnahme der sorgenfreien Radaubrüder den Rhythmus des immerfröhlichen Lebens zu verspüren. Wenn man sich den Placebo-Effekt lange genug einredet, so kann’s passieren, dass das Ergebnis wie erwartet eintritt. Ein bisschen erinnert die Vorgehensweise der ogerartigen Riesen das an jene kannibalischer Völker aus Neuguinea oder Borneo, die durch den Verzehr besiegter Feinde deren Seele in sich aufzunehmen glaubten. Zum Glück sind diese Zeiten vorbei. Nicht aber in jenem Land, wohin uns diese zauberhafte, quirlige Animationsfantasy entführt.

Mädchen und Jungs dürften von Trolls gleichermaßen begeistert sein. Und auch wenn alles auf eine verkitschte Kommerzhysterie hindeutet – die Erwachsenen werden staunen, was alles zwischen Cupcakes und Regenbogen sonst noch Platz hat. Nämlich allen voran eine kluge Geschichte, die den Vergleich mit anspruchsvollen Kindergeschichten im Stile von Mira Lobe nicht zu scheuen brauchen. Freilich, Kitsch ist genug vorhanden. Die Farbe Rosarot verursacht genauso Augentränen wie farbexplodierende Feuerwerke, funkelnde Glitzertrolle und allerhand quietschbunter Fantasiewesen in einer Mischung aus Plastilin und Filzbastelei. Andererseits aber, und das hätte man kaum hinter diesem Film vermutet, finden sich die haarprächtigen Kerlchen in einem düster-bizarren Filmkosmos ähnlich eines Tim Burton wieder. Die Welt der Bergen erinnert stark an den Laika-Puppentrickfilm Die Boxtrolls. Vor allem die Optik erinnert zeitweise an Stop-Motion, auch dank der Beschaffenheit filz- und stoffartiger Landschaften. Manch eine Kreatur könnte aus Nightmare before Christmas in die kindliche Welt von Dreamworks hinübergerutscht sein. Der Mix des Filmes macht es aus, dass wir es hier tatsächlich mit einem gelungenen Stück Kinderkino zu tun haben, das zugleich spannend, weise und überaus komisch ist. Vor allem die Figur des unansehnlichen, aber drolligen Bergen-Zimmermädchens Bridget ist ein greifbarer, berührender Charakter geworden, voller Sehnsüchte und Selbstzweifel. Wenn das Mädchen dann unter ihrem wallenden Trolls-Haar und in Plateauschuhen ihrem geliebten Prinzen gegenübertritt (übrigens mein Favorit), werden Erinnerungen an John Waters Musical Hairspray wach. Dieses Switchen zwischen verspielter Lieblichkeit und einem bizarren Mut zur Hässlichkeit macht den Reiz des Filmes aus, weniger die neuinterpretierten Ohrwürmer aus den 80ern.

Trolls sprüht vor Elan und entführt die ganze Familie auf eine abenteuerliche Sinnsuche zwischen Gefressen werden und Glückshormonen. Und die magischen, enorm belastbaren Frisuren der kleinen Wesen lassen den Drei-Wetter-Daft von Schwarzkopf reichlich alt aussehen.

Trolls

Doctor Strange

WÜNSCHE ANS MULTIVERSUM

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strange

Der leider viel zu früh verstorbene, österreichische Atomphysiker Heinz Oberhummer, Mitglied der schärfsten Science-Boygroup der Milchstraße, hätte an der jüngsten Episode aus dem Marvel Cinematic Universe seine helle Freude gehabt. Warum? Nun, dazu muss man wissen, dass Oberhummer ein leidenschaftlicher Verfechter der Multiversum-Theorie war. Seine Argumente dafür finden sich übrigens in dem äußerst lesenswerten Buch Kann das alles Zufall sein wieder. Um dieses bislang rein hypothetische Phänomen geht es auch in der Zaubererexegese Doctor Strange. Allerdings bringt Regisseur Scott Derrickson hier einiges durcheinander, da er die Definition von Dimension mit jener für existierende Paralleluniversen verwechselt. Oder umgekehrt. Und manchmal liegt er auch richtig. Aber das sind nur Spitzfindigkeiten, über die Oberhummer augenzwinkernd gelächelt hätte. So wie über den ganzen Film, der auf publikumswirksame, aber naive und nicht mal populärwissenschaftliche Art und Weise den Horizont des Zusehers zu erweitern versucht.

Klar ist, dass Doctor Strange etwas anders ist als alle bisherigen Marvel-Verfilmungen. Hier gibt es zwar auch viel Action und publikumswirksames Rambazamba, und auch der Grundaufbau klassischer Blockbuster-Erzählschablonen wagt keine Innovationen. Wirklich anders sind die Effekte. Vor allem jene, welche die im Film immer wiederkehrende Spiegeldimension beschreiben. In ihr sind physikalische Gesetze zur Gänze aufgehoben. Oben und unten gibt es nicht mehr, und urbane Architektur von Gotik bis Moderne, fällt dem Irrwitz eines unaufhörlich ineinandergreifenden Kaleidoskops zum Opfer. Wahrscheinlich ein gar nicht so komplizierter Computereffekt, aber mit großer Wirkung. Als hätten M. C. Escher und Salvador Dali ein sich ständig veränderndes Perpetuum Mobile erschaffen. Beeindruckend, und ein Grund mehr, wiedermal ins Kino zu gehen. Für jene, die das nicht so oft tun möchten – oder können. Natürlich erinnert die verbogene und zerwürfelte Optik an Christopher Nolans Traum-im-Traum-Meisterwerk Inception. Doch dort, wo dieser seine visuellen Asse im Ärmel ausgespielt hat, setzt die Marvel-Zaubershow an. Hier geht es nicht mehr darum, mehr Wert auf die Geschichte zu legen, sondern vor allem darum, durch einen optischen Stil-Richtungswechsel für neue Begeisterung bei den Fans zu sorgen. Umso mehr, da die langsam gleichförmig werdenden Comic-Verfilmungen kaum mehr voneinander zu unterscheiden sind. Dabei besinnen sich die Studios leider nicht darauf, ihre immer gleiche Erzählweise zu hinterfragen. Heldengenese – Bösewicht – Kampf gegen den Bösewicht – Sieg und Neuanfang. Mit Ausnahme vom herausragenden Civil War unterliegen alle anderen Filme diesem Codex, der längst erneuert werden muss. Wahrscheinlich erst mit dem allumfassenden zweiteiligen Finale Infinity War, das 2018 in die Kinos kommen soll. Hier soll das Cinematic Universe – vorläufig oder nicht – ihr Ende finden. Und Doctor Strange war wohl gemeinsam mit dem kommenden neuen Spiderman der vorläufig letzte Einführungsfilm für einen neuen Helden, bis es endlich soweit sein darf – und Oberschurke Thanos seine Fäuste schwingt, um die Infinity-Steine an sich zu reißen.

Jetzt werden sich einige fragen: Infinity-Steine? Nun, diese Artefakte ziehen sich durchs gesamte Marvel-Universum wie ein roter Faden, genauer nachzulesen auf meinem Blog-Artikel Captain America: Civil War. Auch der leicht überhebliche Dumbledore-Erbe Strange eignet sich einen solchen Klunker an – das Auge von Agamotto, welches die Zeit beeinflusst. Womöglich der letzte Stein, um die Sammlung zu komplettieren, die in ihrer Vollständigkeit zur Unterwerfung des Universums führt.

Mit „Sherlock“ Benedict Cumberbatch haben sich die Studios und uns Comic-liebhabenden Kinonerds einen großen Gefallen getan. Der charismatische Engländer mit der tiefen Stimme verkörpert den selbstverliebten, altklugen Chirurgen und späteren Universenspringer in vollendeter Perfektion, ohne sich dabei großartig verstellen zu müssen. Die Rolle ist ihm wie der selbstdenkende Zauberumhang aus dem Film auf den Leib geschneidert. Hoffentlich wird es für Doctor Strange niemals einen Besetzungswechsel geben. Auch Tilda Swinton als glatzköpfiger, androgyner Dalai-Lama der Dimensionen setzt ihre Rolle ungewöhnlich locker und natürlich an, ohne gekünsteltem Pathos. Beide machen den Film vor allem darstellerisch sehenswert und verleihen dem Blockbuster Charakter und Tiefe.

Doctor Strange ist unterm Strich einer der schönsten Marvel-Filme überhaupt. Von formvollendetem Zauber und voller betörender Bildwelten. Mit überzeugendem Helden, jeder Menge lockerer Situationskomik und quirliger Dynamik – Eigenschaften, die Marvel-Filme erst so richtig sehenswert machen. Von der austauschbaren, leider etwas spannungsarmen Geschichte mal abgesehen ist das comicorientierte Fantasykino seit diesem Herbst um eine leichtfüßige, metaphysische, höchst unterhaltsame Zaubershow weit jenseits bekannter Kartentricks reicher.

 

 

Doctor Strange

Zweite Chance

WECHSELBALG

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zweitechance

Wieder einmal steht der Soziale Mikrokosmos namens Familie am Abgrund. Das Kino der Dänin Susanne Bier ist bekannt dafür, den Schicksalsschlägen, die Vater, Mutter und Kind widerfahren, nicht aus dem Weg zu gehen, sondern mit ausgebreiteten Armen entgegenzulaufen. Diese auszuleben. Den entstandenen Schmerz hinauszuschreien. Ganz in der Tradition theatralischen Naturalismus, wie ihn der schwedische Dramatiker Lars Norén zelebriert oder der Deutsche Frank Wedekind in seinem Frühlingserwachen ausgelebt hat, begibt sich auch Susanne Bier an die Grenzen expressiver Emotionen.

Weit jenseits alltäglicher Familienstreitigkeiten wühlt ihre Tragödie Zweite Chance im ekelhaften Sumpf drogenabhängiger Sozialfälle und in der Psyche nervenschmeißender, labiler Wohlstandsmütter. Aus dieser Kombination ergibt sich eine distanzlose, rein objektiv betrachtet furchtbar dramatische Chronik mehrerer erschütternder Schicksalsschläge, denen Game of Thrones-Star Nikolaj Coster-Waldau auf verzweifelte Art und Weise Paroli bieten möchte. Durch eine Aktion, die aus der puren Notsituation heraus erstmal durchaus seine Logik hat, moralisch betrachtet aber keinerlei Nachhaltigkeit aufweisen kann. Nämlich, das eigene tote Kind gegen ein anderes Baby aus verwahrlosten, sozialen Missverhältnissen einzutauschen. Unter der Prämisse, dass Menschen, die sozial gescheitert sind, ihr Anrecht auf eine glückliche Familie ohnehin verwirkt haben. Ein kruder Gedankengang, von Susanne Bier durchaus sehr menschlich betrachtet. Doch die dargestellte, intensive Tragödie über das menschliche Hadern zwischen Verlust und Neuanfang verspielt vor allem aufgrund seiner Schwere und dramatischer Größenordnung in vielen Momenten seine Wirkung. Natürlich, Schicksalsschläge im Hiob-Format lesen wir allwöchentlich in der Zeitung. Vielleicht versperrt diese Tatsache den Zugang zu unaushaltbaren zwischenmenschlichen Apokalypsen. Oder es ist vielleicht die eigene Distanz, die man wahrt, bevor einem die Vorstellung, selbst den Verlust von Familie erleben zu müssen, um den Verstand bringt.

Wobei Zweite Chance sehr wohl auch zu viel will. Und an der Grenze zum reißerischen Sozial-, Familien und Kriminaldrama entlangschrammt. Gefühl – ja. Drama – ja. Doch wenn das Drama durch sich selbst zu ersticken droht, erstickt auch das Mitgefühl des Zuschauers. In Nach der Hochzeit oder In einer besseren Welt hat Susanne Bier die Grundwerte der kleinsten Gesellschaftsform namens Familie ähnlichen Extremsituationen ausgesetzt. Doch das Luftholen zwischen den dramatischen Höhepunkten fiel bei diesen Filmen deutlich leichter.

 

Zweite Chance

Wie Brüder im Wind

KLEIN ADLERAUGE

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Das Red Bull-Imperium des österreichischen Geldvirtuosen Dietrich Mateschitz umfasst nicht nur den Fernsehsender Servus mit allerlei Bildungsprogramm und mitunter auch einem wohlsortierten Filmangebot. Es umfasst auch einen Zeitschriftenverlag und zu guter Letzt eine Filmproduktionsfirma, dessen Name ident ist mit der populärwissenschaftlichen Liebhaberzeitschrift Terra Mater. Ein wunderschönes Druckwerk allerdings. mit wunderbaren Bildern und jede Menge Platz, um sich gestalterisch auszutoben. Inhaltlich aber muss sich das Magazin in Anbetracht souveräner Konkurrenz aus dem europäischen Norden geschlagen geben. GEO, herausgegeben von Gruner & Jahr, ist in seinen Reportagen unschlagbar und findet einen ausgewogenen Mittelweg zwischen photographischem Anspruch und mitreißend geschriebener, aufschlussreicher Stories. Aber wieso schreibe ich in einem Filmblog über die Qualität deutschsprachiger Perdiodikas? Ganz einfach – weil sich die etwas unausgewogene Beschaffenheit des österreichischen GEO-Konkurrenten Terra Mater ziemlich genau auf die filmischen Qualitäten des von Ex-Universum-Redakteur Walter Köhler geleiteten Filmstudios übertragen lässt.

Wie Brüder im Wind ist zweifellos ein atemberaubend gefilmter Dokumentarfilm. Ganz so, wie wir es schon seit jeher dienstagabends auf ORF gewohnt sind, mit erstklassig gefilmten, spektakulären Bildern aus aller Herren Länder verwöhnt zu werden. So verwöhnt uns auch diese heimische Produktion vor allem auf der großen Leinwand mit gestochen scharfen, haut- bzw. federnahen Bildkompositionen, die Gänsehaut erzeugen. Überhaupt entfalten solche Tier- und Naturfilme ihr gesamtes Potenzial im Kino, wenn man schon nicht live dabei sein kann, um das Abenteuer Leben mit allen Sinnen zu genießen. Terra Mater weiß, was dem naturinteressierten Zuschauer die Kinnlade herunterklappen lässt.

Allerdings wissen die Macher des Greifvogeldramas nicht, wie man Geschichten erzählt. Und das ist meistens die Krux an Fernseh- und Kinodokumentationen. Sachkundige Filme, die nicht nur durch ihre Bilder, sondern auch durch ihre Geschichte zu fesseln wissen, haben Seltenheitswert. Meist liegt ihre Stärke darin, die Schönheit der Natur einzufangen. Dann wäre Wie Brüder im Wind im Konzerthaus mit Live-Musik-Untermalung besser aufgehoben. Die karge Erzählung von einem alleinerziehenden, mürrischen Bergbauern und seinem Sohn, der ein aus dem Nest gefallenes Steinadlerküken aufzieht, ist zwar gut gemeint und hat auch jede Menge edukativen Wert. Doch die sperrige Dramaturgie und die lose wirkenden, etwas orientierungslos aneinandergesetzten Szenen entbehren jeglichen mitreißenden Erzählfluss. Wie in einem engagierten Laienkino für eine gute Sache stapfen „Leon“ Jean Reno und Tobias Moretti wenig überzeugend über Geröll und durch Schnee, zwischen den beiden Filmstars strengt sich der italienische Jung- und Hauptdarsteller Manuel Camacho vergebens an, so etwas wie Emotion zu erzeugen. Da ist der Mowgli-Darsteller im kürzlich erschienenen Dschungelbuch ja noch die bessere Wahl gewesen.

Schulfernsehen trifft also auf professionelle Naturfilmer. Mehr ist aus dem Jahreszeiten-, Familien- und Tierdrama rund um Verantwortung, Leben und Tod letzten Endes nicht herauszuholen. Vielleicht, weil das Genre des Dokumentarfilmes so ganz anders funktioniert als die des erzählerischen Abenteuerkinos.

Wie Brüder im Wind