Mein Fleisch und Blut

RETTET DAS KIND!

6/10

 

fleischblut© 2016 Allegro Film / Quelle: flimmit.com

 

LAND: ÖSTERREICH 2016

REGIE: MICHAEL RAMSAUER

MIT ANDREAS KIENDL, URSULA STRAUSS, LILY EPPLY, HARRY PRINZ

 

Nachbarn kann man sich nicht aussuchen. Nachbarn, die können angenehm hilfsbereit und unauffällig sein. Oder aber andauernd querulieren, ihren Müll nicht wegräumen oder frühmorgens gar nicht mal grüßen. Nachbarn eignen sich gut für Ausflüge und gemeinsames Grillen im Vorgarten. Aber auch wahnsinnig gut dafür, Konflikte vor dem Bezirksgericht auszutragen. Und dann gibt es noch die Sorte der psychopathischen Belagerer, die nichts Anderes wollen als die Destruktion deiner Familie. Ungefähr von dieser Sorte könnte das junge Liebespaar sein, dass da so urplötzlich in der zum Verkauf stehenden, benachbarten Immobilie eingezogen ist, direkt neben dem neu geschniegelten Swimmingpool eines in Zwangsurlaub befindlichen Journalisten und Familienvaters, der sich um seinen Sohn zu kümmern hat. Dieser Sohn allerdings trägt autistische Züge, spricht kaum und sucht auch sonst eigentlich keinerlei Nähe zu seinen Eltern. Allerdings – die junge Blondine von nebenan scheint es dem Buben angetan zu haben. Ihr offenes, unbekümmertes Wesen weckt im verhaltensgestörten Nachwuchs tatsächlich sowas wie für andere sichtbare Gefühlsregungen. Eigenartig – das finden nicht nur Ursula Strauss und Andreas Kiendl. Es dauert nicht lange, und immer mehr Indizien weisen darauf hin, dass die Nachbarn nicht das sind, was sie vorgeben zu sein.

Der Kameramann, Drehbuchautor und Regisseur Michael Ramsauer hat für sein Regiedebüt zwei Publikumslieblinge gewinnen können, die wir bereits aus anderen TV-Reihenkrimis kennen – Schnell ermittelt und Soko Kitzbühel. Diesmal aber stehen die beiden auf der anderen Seite der kriminologischen Nahrungskette und haben ihre darzustellenden Charaktere fest im Griff – im Gegensatz zum Drehbuch. Nichts gegen die grundlegende Story – das bedrohliche Szenario eines Eingriffs in den hochheiligen Mikrokosmos Familie hat schon seine geschickt konstruierten Momente. Sein Ensemble mit der richtigen Dosis Verzweiflung, Wut und Panik zu versehen, gelingt ihm zweifelsohne. Das nachvollziehbare Handeln einzelner Figuren bleibt aber außen vor und misslingt vor allem an einer wichtigen Schlüsselszene, die Andreas Kiendl ganz alleine auszubaden hat. Nicht, dass er der Ambivalenz seiner Rolle zu wenig Nachdruck verleiht – nein, das ist es nicht. Wie er damit aber in völliger Alleinverantwortung die Geschichte vorantreiben muss, ist verwunderlich. Dass ein Mann so sehr so schnell seine Prinzipien über Bord wirft, und das einzig und allein, um sich an seiner Libido schadlos zu halten, ist unglaubwürdig.

Die Invasion von vorgetäuscht Vertrautem in die Intimität einer Familie ist Joel Edgerton in seinem fiesen Psychothriller The Gift deutlich raffinierter gelungen. In Mein Fleisch und Blut orientiert sich Ramsauer zu sehr an amerikanischen Vorbildern aus dem Thriller-Genre, ohne das Handeln seines Hauptdarstellers zu hinterfragen. Muss er nicht, denkt er sich, für Effektivität reicht es allemal. Und natürlich, effektiv ist der Film. Spannend, zügig inszeniert, da gibt es nichts zu meckern. Ein Fernsehkrimi, der allerdings schon ins Kino darf. Warum dieser und nicht andere, die Antwort darauf bleibt der kurzweilige Krieg der Eltern nach bekanntem Genre-Muster dann doch schuldig.

Mein Fleisch und Blut

Das Talent des Genesis Potini

DIE ZUKUNFT IST SCHWARZWEISS

7/10

 

genesispotini

REGIE: JAMES NAPIER
MIT CLIFF CURTIS, JAMES ROLLESTON, WAYNE HAPI

 

Schon mal was vom Kino Polynesiens gehört? Jetzt werden sich sicher einige an Pixar´s Südseeabenteuer Vaiana erinnern. War zwar kein polynesischer Film, zeigte aber ganz klare Referenzen zur Mythologie des Inseldreiecks, welches sich von Neuseeland im Südwesten bis zu Hawaii im Norden und den Osterinseln im Osten spannt. Ja, Neuseeland gehört geografisch zu Polynesien. Die Fantasyepen nach Tolkien wurden schließlich, wie wir alle wissen, unter der Regie eines waschechten Neuseeländers, nämlich Peter Jackson, als amerikanisch-neuseeländische Koproduktion vor der atemberaubenden Kulisse heimischer Landschaften in Szene gesetzt. Doch Neuseeland hat noch eine ganz andere kinematographische Stärke, die sich vom Kulissendasein deutlich abhebt und auch distanziert. Das Land der Maori bietet schon seit jeher Independentkino vom Allerfeinsten. Wer Lee Tamahori´s Ureinwohnerdrama Die letzte Kriegerin oder Niki Caro´s Walmythos Whale Rider bislang noch nicht gesehen hat, sollte dies schleunigst nachholen. Und vielleicht auch gleich Das Talent des Genesis Potini auf die Watchlist setzen. Denn das Psycho- und Sozialdrama, im Original unter dem Titel The Dark Horse hierzulande nur im Retail-Sektor erschienen, erzählt die wahre Geschichte eines psychisch labilen Schach-Genies, der sozial benachteiligten Kindern mit dem Königsspiel aus ihrer alltäglichen Lethargie verhilft.

Natürlich – in unseren Breiten kennt keiner Genesis Potini, vielleicht nur eingefleischte Schach-Nerds. Wenn’s hochkommt, bleibt uns nur der Name Bobby Fischer oder vielleicht Kasparow in Erinnerung. Doch das Spiel hat auch auf der anderen Seite der Welt zu lebensverändernden Maßnahmen geführt. Und die Geschichte ist es allemal wert gewesen, verfilmt worden zu sein. Vor allem, weil es nicht nur das Portrait eines Grenzgängers ist, sondern auch, und das hat der Film mit einigen Werken aus dem Land des Kiwis gemein, das Sozialportrait eines Landes, indem die kulturelle Identität der Maoris zusehends schwindet und ein Teil der indigenen Bevölkerung aufgrund gesellschaftlicher Benachteiligung den Weg der Verdammnis wählt. In diesem Gefüge der sich abstoßenden und anziehenden Kräfte ist es nur eine Frage des emotionalen Gleichgewichts, die Gratwanderung zwischen Bandenkriminalität und rosiger Zukunftschancen zu meistern. Wenn Genesis Potini sich selbst dazu ermahnt, positiv zu denken, so ist das eine elegante Metapher auf den Istzustand des kulturellen Erbes Polynesiens, das nicht nur durch Schnitzkunst und Tattoos Gehör verschafft. Wer genau hinhört, wird die Legende von Māui mit seinem verzauberten Angelhaken zu hören bekommen. Vaiana lässt grüßen.

Cliff Curtis, dessen Gesicht man irgendwo schon das eine oder andere Mal gesehen hat, haucht seiner authentischen Figur behutsam ohnmächtig-mächtiges Leben ein. James Napier´s entschleunigtes Spielfilmdebüt nimmt sich anfangs viel Zeit, um die Story ins Rollen zu bringen. Die familiären Konflikte, die sich gegen Endes ihre Bahn brechen, lassen den Zuseher mit Sicherheit nicht unbeteiligt zurück. Das Leben des Genesis Potini ist sehenswertes Coming of Age und Sozialkino aus Neuseeland – spirituell, speziell und irgendwie anders.

Das Talent des Genesis Potini

Sully

EIN GANZ NORMALER HELD

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sully

Am 15. Januar 2009 erinnerten sich viele Augenzeugen nahe des Hudson River in New York an schreckliche Erlebnisse, die anno 2001 die ganze Welt erschütterten, als sie einer immer tiefer gehenden Passagiermaschine gewahr wurden, die sich im scheinbaren Kamikazeflug den eiskalten Gewässern vor der Millionenmetropole näherte. Allerdings kam es anders, als man befürchtet hatte. Und nirgendwo sonst lässt sich die Phrase Glück im Unglück besser darstellen als in dieser legendären, in der Geschichte der Luftfahrt einzigartigen Notwasserung, durchgeführt vom Piloten Chesley B. Sullenberger, kurz genannt Sully, der für all die 155 Passagiere das Glück schlechthin verkörpert hat.

Doch mit Glück hatte das allem Anschein nach relativ wenig zu tun. Sondern mit Intuition, Erfahrung und überlegtem Handeln. Altmeister Clint Eastwood widmet diesem ganz normalen Helden ein dokumentarisches Drama, das sich den tatsächlichen Begebenheiten akribisch recherchiert annähert und eine klare, schnörkellose, neue Sachlichkeit auf die Kinoleinwand projiziert, die komplett ohne Pathos, Gefühlsduselei oder aufgesetzter Emotionen daherkommt. Wahrscheinlich ist Clint Eastwood schon zu alt für diese Art von Kino. Er hat es nicht notwendig, sein Publikum zu umschmeicheln. Seine Filme sind präzise, analytisch-düstere Handwerkskunst, die sich selten um Effekte scheren. In Sully treibt er seinen Stil auf die Spitze. Bis auf einigen wenigen Szenen, die die Was-wäre-wenn-Visionen Sullenbergers illustrieren, und die schmucklosen Manöverszenen des Flugzeuges auf dem Wasser verzichtet Eastwood auf unnötiges Beiwerk, lässt nur Bilder ran, die für die Erzählung seiner Geschichte notwendig sind und verlässt sich ansonsten voll und ganz auf das authentische, zurückhaltende Spiel seines Stars – Tom Hanks. Da der echte Sully tatsächlich ein eher introvertierter, in sich ruhender, überlegter Mensch ist, blieb auch Hanks nichts anderes übrig, als diesem Charakter gerecht zu werden. Mit einer Minimalisierung des Ausdrucks und der Aneignung der persönlichen Eigenheiten des Meisterpiloten, der sich mittlerweile im Ruhestand befindet, erreicht der alte Hase des amerikanischen Charakterkinos wieder einmal schauspielerische Höhen. Weniger ist mehr – und so verkörpert Hanks seinen Sully in reduzierter, einfühlsamer Perfektion. Mag sein, dass das Original in manchen Szenen das Gefühl hat, tatsächlich selber agiert zu haben. Und so zufrieden mit diesem Film dürfte er dann auch gewesen sein, wie ich aus anderen Medien erfahren habe.

Hätte jemand geringerer als der ewige Forrest Gump diese Rolle übernommen, wäre Eastwoods in blaugrauen Wintertönen bebildeter Film womöglich zu nüchtern geraten. So aber ist der Weg zur Spieldokumentation nur ein kleiner Schritt – oder aber auch gar keiner mehr notwendig. Die neue Sachlichkeit im Biografenkino des Revolverhelden, der fast nur mehr hinter der Kamera agiert, ist zu einem unverkennbaren Filmstil geworden. Das haben wir schon bei American Sniper gesehen. Und sehen wir jetzt in seiner neuesten Filmanalyse einer Heldengenese, die mehr die Genese einer selbstverständlichen Handlung gewesen ist. Die notwendige Entscheidung eines altruistischen, guten Menschen, der es dabei belassen hätte, seine Pflicht getan zu haben. Ein ähnliche, aber fiktive Geschichte erzählte bereits Stephen Frears in seiner 1992 erschienenen Dramödie Hero – Ein ganz normaler Held, mit Dustin Hoffman als Augenzeuge eines Flugzeugabsturzes, der zum Retter wird. Beide Filme sind wie eine Art Schulungsvideo über die Intuition, Dinge richtig zu machen. Der eine erfunden, der andere tatsächlich so passiert. Und Sully ist daher nicht nur ein Tatsachenbericht, sondern auch ein Exkurs über Verantwortung,  Entscheidungsfindung und den Faktor Mensch.

Apropos Entscheidung: Es gibt nichts, was Eastwood in seinem relativ kurzen Film falsch gemacht hätte. Objektiv betrachtet. Packendes, emotionales Eventkino ist es aber keines. Den Anspruch verfolgt Eastwood aber gar nicht. Vielmehr liegt die Spannung des Filmes in der Frage, wie man wohl selbst entschieden hätte.

 

 

Sully