Märchen

Die Schöne und das Biest (2014)

filmgenuss, , , , , , , , , , , , , , , , , , , 1 Kommentar

DIE MIT DEM WOLF TANZT

* * * * * * * * * *

schönebiest

Wenn es nach den Vereinigten Staaten ginge, dann könnte man getrost auf die internationale Filmwelt verzichten. Ausnahmen würden die Regel bestätigen, vielleicht würde noch Australien oder Großbritannien einfach aufgrund ihrer gemeinsamen Muttersprache mit ins rettende Boot geholt werden – denn alles, was fremdsprachig ist, hat in Übersee – wie sagt man bei uns so schön – einfach kein Leiberl. Zumindest nicht aus wirtschaftlicher Sicht. Denn auf der großen Leinwand Untertitel lesen will dort keiner, und Synchronstudios gibt es dort auch nicht, jedenfalls nicht für fremdsprachige Filme. Für Animationsfilme sehr wohl – Manfred Lehmann, Christian Brückner, Peter Matic und all den anderen Schauspielern sei hierzulande gedankt, dass sie zum Mikro greifen und uns barriereloses Filmvergnügen ermöglichen. Was bleibt also den USA übrig, um sich von Filmen, die sich anderswo phänomenal gut verkaufen, aber nichts mit Englisch am Hut haben, ein Stückchen abzuschneiden? Richtig, sie müssen es nachverfilmen. Selber Stoff, selbe Charaktere, fast schon kopiert. Daher all die ganzen Remakes, deren Sinnhaftigkeit in Europa keiner versteht. Die Produktionsfirmen aus Hollywood wollen mitverdienen – und zahlen vorab schon mal genug Geld, um die Rechte zu kassieren und dann das Einspiel bereits als gemähte Wiese anzusehen. Denn erprobt ist das Rezept ja schon.

Demnach ist die eben im Kino angelaufene Realverfilmung des romantischen französischen Märchens aus dem Rokoko eine im Grunde genommen genauso redundante Produktion, hat doch Pakt der Wölfe-Regisseur Christophe Gans bereits 2014 die Geschichte rund um die schöne Händlerstochter, die mit dem Wolf tanzt, formschön, opulent und knisternd ins Szene gesetzt. Ganz so, wie man es von einem Märchen erwartet, das eine alte Geschichte erzählt und mit neuesten technischen Mitteln eine Wunderwelt illustriert, die fast schon an Tim Burton´s Alice im Wunderland erinnert. Aber nur fast, da ist noch ein gutes Stückchen französisches Kolorit versteckt, allein schon aufgrund der erlesenen Besetzung, angefangen von der hinreißend sinnlichen Lea Seydoux über André Dussolier bis hin zu Vincent Cassel, der auch mal keinen sinistren Macho spielen kann, sondern einen geläuterten Prinzen, dem das Unglück und der Fluch, der sein Reich heimgesucht hat, auf seinen vorerst pelzigen Schultern lastet. Und wer genau hinsieht, kann die deutsche Sängerin Yvonne Catterfeld entdecken – als aparte Schönheit in den erzählerischen Rückblenden rund um die goldene Hirschkuh. Christophe Gans lässt nichts aus – behutsam und detailverliebt nähert er sich dem mehrere hundert Jahre alten Stoff, bereinigt ihn von all den verniedlichenden Disney-Elementen und findet zielsicher in das Grimm’sche Zeitalter des Märchenerzählens zurück, das sich vorwiegend in der kulturellen Epoche der Romantik wiedergefunden hat. Genauso ist Die Schöne und das Biest geworden – mit verwunschenen Schlössern, verzauberten Lichtungen im Wald, jeder Menge Rosen und fluchbefreiender Küsse. Und selbst wenn die Dancing Stars Seydoux und Cassel das königliche Parkett erobern, verkommt dies nicht, wie bei Musicals so oft, zum Selbstzweck, sondern bleibt Teil der Erzählung. Ach ja, Musical – diese Verfilmung hier hat mit dem Genre der singenden Emotionen nichts zu tun. Disney´s Zeichentrickfilm aus dem Jahr 1994 hingegen schon – und die Realverfilmung desselbigen mit Emma Watson nimmt sich da nicht aus. Doch mir als verhaltener Liebhaber des filmischen Musiktheaters ist die greifbarere französische Version, die sich in den USA womöglich keiner angesehen hat, lieber. Klar, gegen Ende übertreibt Christophe Gans seinen Mut zum visuellen Blockbusterkino für Europäer, aber solange es gut gemacht ist, freut man sich, wenn gigantische Steinfiguren den Bösewichtern nach dem Leben trachten. Das hat was von High Fantasy, wohingegen quasselnde Kerzenleuchter und Uhren aus der Mickey-Fraktion eher zu den Fieberträumen eines Antiquitätenhändlers passen.

La Belle et La bete – wie es im Original heißt – ist gut besetztes, aufwändiges Märchenkino für Nostalgiker, Romantiker und Freunde europäischen Kinos. Und ein Beweis mehr, dass es auch ohne Hollywood gehen kann. Aber diesen braucht die Filmwelt Frankreichs ohnehin nicht.

Die Schöne und das Biest (2014)

Jack und das Kuckucksuhrherz

filmgenuss, , , , , , , , , , , , , , , , , , , , Hinterlasse einen Kommentar

DEIN IST MEIN GANZES HERZ

* * * * * * * * * *

kuckucksuhr

Wer sagt, dass nur Disney, Pixar und Sony computergenerierte Animationsfilme machen können? Zugegeben, das amerikanische Triumvirat der digitalen Kinounterhaltung ist nicht nur Marktführer, Bestverdiener und künstlerisch betrachtet die Creme de la Creme im Rahmen seiner Zunft. Aber Europa hat da auch etwas zu sagen. Zumindest bemüht es sich, mit den Virtuosen jenseits des Atlantiks mitzuhalten. Und das scheint tatsächlich zu gelingen. Wobei es dabei nicht um die Fertigkeit der zum Leben erweckten Welten geht. Da haben die Amerikaner den Vogel bereits abgeschossen. Europa kompensiert sein Nachzüglertum wohl mit etwas ganz Anderem. Während die eingangs genannten Produktionsschmieden stilistisch gesehen immer auf dasselbe Pferd setzen – typisch für Disney – zeigen die Filmkünstler der EU deutlich mehr Mut zur Variation und kompensieren ihr Defizit mit ungewöhnlicher Optik und ausgefallenem Charakterdesign. Einer dieser jüngeren, von Luc Besson produzierten Filme ist die Nacherzählung eines Märchens um einen liebeskranken Jungen, dessen Herz dem einer Kuckucksuhr gleicht und den Dienst versagt, sobald aus gelegentlicher Schwärmerei für Mädchen deutlich mehr wird.

Luc Besson hat bereits mit den spitzohrigen Elfenabenteuern Arthur und die Minimoys seine Liebe fürs virtuelle Kino entdeckt, nun darf die französisch-belgische Co-Produktion unter der Regie von Mathias Malzieu, Leadsänger der französischen Kultband Dionysos, auf seine finanzielle Unterstützung bauen. Mathias Malzieu selbst hat die romantisch-verwunschene Geschichte verfasst und seinen ganz eigenen, persönlichen Film dementsprechend bebildert und ausgestattet. Das Verwunderliche ist: auf den ersten Blick sieht Malzieu´s Film nicht so aus, als wäre er aus dem Computer. Seine Figuren und die Beschaffenheit der Kulissen deuten auf ein aufwändiges Stop-Motion-Märchen in der Machart der Laika-Studios hin. Einflüsse von Tim Burton und Pop-Up-Büchern, die um die Jahrhundertwende entstanden sind, kann man kaum übersehen. Was aber wie eine Mischung aus skurril-rüschenhafter Darbo-Werbung und Martin Scorsese´s Hugo Cabret wirkt, ist ganz und gar digital gerendert. Einen analogen Filmtrick zu imitieren ist ein Stilmittel, das freilich seinen Reiz hat. Jack und das Kuckucksuhrherz gleicht einem Kasperltheater für Erwachsene aus den Jahrmärkten des viktorianischen Zeitalters, als man Elefantenmenschen und Kleinwüchsige noch zur Schau stellen durfte.

Der bunte, melancholische Puppenzirkus hat aber leider so seine Probleme. Und das beginnt bei der Marionettenhaftigkeit der Figuren, die, langbeinig, feingliedrig und mehr oder weniger frei von herzerwärmender Mimik ihre schmerzvoll-verliebte Gechichte erzählen müssen. Anders als bei Mein Leben als Zucchini, in welchem die abstrahiert dargestellten Kinder zumindest durch ihre übergroßen Augen einen tiefen Blick in die Kinderseele gewähren, fehlt bei Jack und das Kuckucksuhrherz das emotionale Portal, welches den Zuseher auf die emotionale Ebene des Märchens gebracht hätte. Nun, denkt man sich, mit dem passenden Score und den einen oder anderen Gesangsnummern lässt sich schon eine gewisse Stimmung erzeugen. Mathias Malzieu hat aber einen derart persönlichen Film gemacht, dass er diesen auch mit seiner eigenen Musik unterlegen hat müssen. Der Musikstil von Dionysos passt zu seinen fragilen Marionetten wie die Faust aufs Auge, oder wie AC/DC zu Stolz und Vorurteil. Mit dem aufgeregten Score macht er es dem Zuseher noch um einiges schwerer, Zugang zu dem eigenwilligen, hochstilisierten Theater zu finden, wenn schon die hölzernen Gesichter dies nicht bewerkstelligen können.

Die Disharmonie innerhalb des Filmes könnte manch einer natürlich als künstlerisches, unerwartetes Novum betrachten und freudvoll beklatschen. Manch einer aber, so wie ich, könnte angesichts dieses fehlenden Gespürs des Regisseurs den phantastischen Liebesfilm als ein zwar visuell interessantes, aber etwas starres und schwer zugängliches Werk betrachten, das sichtliche Probleme damit hat, den Wünschen und Ansprüchen von Universalkünstler Malzieu gerecht zu werden. Wieder mal ein Film, der zeigt, wie schwierig es ist, alles alleine machen zu wollen.

 

 

Jack und das Kuckucksuhrherz

Unterwegs mit Jaqueline

filmgenuss, , , , , , , , , , , , , , , Hinterlasse einen Kommentar

WIE DIE KUH VOR DEM TOR

* * * * * * * * * *

jaqueline

Irgendwo im Niemandsland in der algerischen Hochlandwüste, in einem Dorf aus Lehmhäusern und staubigen Pisten. Aber immerhin mit Kontakt zur Außenwelt via Internet. Denn das World Wide Web ist überall. Vorausgesetzt, das Mobiltelefon schaltet auf Empfang. Und so kann es sein, dass man sehr schnell, und ehe die Kuh einmal Muh sagen kann, aus Hintertupfing in die große weite Welt hinausmarschiert. Nichts Anderes gelingt dem Bauern Fatah, der nichts lieber tun würde als mit seiner Kuh Jaqueline, einem Taranteser Rind, bei der Landwirtschaftsausstellung in Paris aufzutreten. Kaum zu glauben, aber dank seiner Hartnäckigkeit, dem Glauben an sich selbst, an seinen Wiederkäuer und dem Good Will vor allem der französischen Bevölkerung, macht er sich dank einer Einladung bald schon auf den Weg. Quer durch Frankreich. Und zu Fuß, wohlgemerkt.

Das klingt unglaublich, fast schon wie eine Geschichte von Walt Disney. Und unweigerlich muss man an Ferdinand den Stier denken, der dem Duft der Blumen nicht wiederstehen kann. In Mohamed Hamidis Film ist es aber eher der Bauer Fatah, der die Rolle des Ferdinand einnimmt. Die Kuh bleibt eine Kuh, ein tierischer Siedekick. Der Bauer allerdings schafft es, in seiner unendlichen Gutgläubigkeit und Naivität sogar die Aufmerksamkeit der Medien auf sich zu ziehen. Als Star von Facebook und Co werden ihm Tür und Tor geöffnet. Ja klar, ein paar Steine müssen dem beherzten Farmer allein schon handlungsmäßig in den Weg gelegt werden, sonst würde der Film nur allzu realitätsfern vor sich hinplätschern. Was er die meiste Zeit leider auch tut. So, als wären wir im französischen Komödienkino der 50er Jahre gelandet. Ein risikobereiter Held, so selbstbewusst, draufgängerisch und glücksbeseelt, dass man diese Rolle auch gut mit Louis De Funès, Heinz Rühmann oder ähnlichen Komödianten von damals besetzen hätte können. Gut, beides keine Algerier, da hätte man im Drehbuch etwas tricksen müssen.

Das Universum scheint es gut mit dem Mann und seiner Kuh zu meinen. Schon allein wegen Algerien, ehemalige französische Ex-Kolonie und Fußabtreter eines machthungrigen Establishments, dass in diesem nordafrikanischen Land, ähnlich wie Belgien im Kongo, genug angerichtet hat, um niemals auch nur annähernd seine Schuldigkeit getilgt zu haben. So wünscht man dem Algerier, der nichts besitzt außer einer Kuh, jede Menge geschenkte Aufmerksamkeit, erobert dieser doch im Alleingang als Symbol eines vormals unterdrückten Volkes die Herzen einer neuen Generation von Franzosen, die nichts lieber tun würden als die Vergangenheit ungeschehen zu machen. Das wehende algerische Banner hat sich Regisseur Hamidi aber verkniffen. Gut so, denn das wäre viel zu plakativ gewesen.

Unterwegs mit Jaqueline ist ein argloses, naives Märchen kindlichen Gemüts, voller Gutgläubigkeit, aber auch voller Zuversicht im Sinne von Völkerverständigung und Gleichberechtigung. Seine biedere Erzählweise wirkt zwar oftmals sehr betulich und zaghaft, die Idee hinter der schlichten Parabel ist aber durchaus lobenswert. Wenig beeindruckendes, aber gefälliges Multikulti-Kino für Optimisten.

Unterwegs mit Jaqueline

Alice im Wunderland 2 – Hinter den Spiegeln

filmgenuss, , , , , , , , , , , , , Hinterlasse einen Kommentar

WUNDERLAND IST ABGEBRANNT

* * * * * * * * * *

alice2

Der britische Schriftsteller Lewis Carroll erschuf in der zweiten Hälfte des neunzehnten Jahrhunderts eine phantastische Kindergeschichte, die er auf Bitten von Alice Liddell, einem ihm bekannten und verehrten Mädchen, zu Papier brachte. Wobei nur der erste Band, Alice im Wunderland, eine durchgehende Geschichte war. Alice hinter den Spiegeln, der rund zehn Jahre später erschienene Folgeband, war nur mehr eine Sammlung aus Kurzgeschichten und Gedichten aus einer surrealen Wunderwelt, wo alles möglich zu sein scheint und jedes noch so bizarre Lebewesen existieren kann. Neben Michael Endes unendlicher Geschichte und Alfred Kubins Anti-Fantasy Die andere Seite ist Carrols Phantasmagorie wohl eine der psychologisch-phantastischsten und kreativsten Geschichten überhaupt. Aber wie wagt man sich an einen solch überbordenden Stoff heran, wie wird man so einer Fülle an Ideen und Bildern überhaupt gerecht? Die Zeichentrickserie aus den Achtzigern, die meine Generation im Kinderprogramm sehen durfte, hat uns Kleinen etwas mit dieser Welt vertraut gemacht. Nie wieder werden wir vergessen, wer Humpty Dumpty, der Märzhase oder der Hutmacher sind. Vor einigen Jahren aber hat sich niemand geringerer als Visionär Tim Burton an den Stoff herangewagt – allerdings hat er die Story etwas adaptiert und erwachsener gemacht. Und hat eine üppig bebildertes Widersehen mit all den schrägen alten Bekannten organisiert – in mäßigem 3D wohlgemerkt.

Der nachgeschossene zweite Teil, der sich aus dem Motivfundus von Carrolls zweitem Buch bedient, ist allerdings ein bemitleidenswerter Fehlgriff geworden, der alles Kreative und Lebendige in klinischem CGI ertränkt. Ich weiß nicht, wie anders Tim Burton seinen ersten Teil angelegt hat – No Name-Regisseur James Bobin jedenfalls hat es nicht richtig gemacht. Womöglich war er mit dem Stoff überfordert. Womöglich wollten die Studios unbedingt an der Erfolgsgeschichte des Erstlings anschließen. Doch auf Biegen und Brechen lässt sich keine Fortsetzung machen, das wissen wir. Da sind schon viele baden gegangen. Und so auch Alice, die zweite. Was wir hier sehen ist ein albernes Familiendrama rund um den Hutmacher. Natürlich reicht das nicht, da müssen noch die weiße und die Herzkönigin her, und deren Familiengeschichte erzählt werden. Haben die denn alle Carrolls Geschichte nicht verstanden? Der Zauber der Figuren, das Surreale, das Mystische – das liegt im Geheimnis um jede einzelne Figur in diesem metaphysischen Universum. Sie sind einfach da. Sie müssen keine Familie haben. Sie sind von unserer gewohnten Welt vollends entkoppelt. Daher ist es ja ein Wunderland. Wieso nun diese Ahnenforschung? Dieses Vermenscheln traumartiger Gestalten? Das ist ja so, als würde man den zerronnenen Taschenuhren Dalis eine physikalische Ursache für ihren Zustand unterschieben. Will das wer? Ich denke nicht.

Doch abgesehen davon ist Alice im Wunderland 2 – Hinter den Spiegeln ein bestes Beispiel dafür, wie man CGI genau nicht einzusetzen hat. Es ist eine ungeschriebene Regel, dass das Verhältnis computeranimierter und realer Elemente zumindest halbe-halbe sein muss. Besser noch, die CGI ist so perfekt in die Bilderwelt integriert, dass man nicht genau trennen kann, was nach dem Dreh hinzugefügt wurde und von vornherein schon da war. Dieser Film zerstört sich aber selbst, indem er billige Welten auferstehen lässt, die so offensichtlich künstlich sind, dass jeder Charme und jeder Reiz verloren geht. Das Problem hatte bereits Star Wars – Angriff der Klonkrieger, das Problem hatte Gods of Egypt. CGI ist ein wunderbares Werkzeug, doch es sollte dem Zweck dienen, und nicht den Film dominieren. Vor allem, wenn es noch dazu schlecht gemacht ist.

Alice verliert im Sequel ihr Wunderland. Da kann nicht mal die Zeit in Gestalt von Sascha Baron Cohen alle Wunden heilen. Keine Ahnung wie Tim Burton zu diesem Film steht. Wäre zumindest der Plot gut gewesen, hätte ich noch ein Auge zugedrückt. Aber das, was hier hinter den Spiegeln verborgen liegt, lohnt sich nicht, erkundet zu werden.

 

 

 

Alice im Wunderland 2 – Hinter den Spiegeln

Schneewittchen (1937)

filmgenuss, , , , , , , , , Hinterlasse einen Kommentar

SINGENDE ZWERGE FÜR EINEN ABEND

* * * * * * * * * *

schneewittchen

Am 15. Dezember 1966 verstarb einer der größten Genies der amerikanischen Traumfabrik – und einer der bedeutendsten kreativen Köpfe überhaupt – Walt Disney. Sein Todestag jährt sich nun schon zum 50sten Mal. Grund genug, seiner Arbeit und seinem Vermächtnis zu gedenken, welches bis zum heutigen Tag Ausmaße erreicht hat, die sich Disney selbst womöglich nie hatte träumen lassen. Dabei hat alles mit einer gezeichneten Maus begonnen, als Antwort auf ein Kaninchen namens Oswald, das Disneys damaliger Produktionsfirma markenrechtlich abhanden kam. Mit den ersten Mickey-Cartoons unter dem Titel Steamboat Willie eroberte der Visionär, Workaholic und Perfektionist nicht nur das Publikum, er war auch Pionier eines perfekt durchkonzipierten Merchandisings. Alle weiteren biografischen Details erspare ich euch, die sind überall woanders besser nachzulesen.

Nur soviel: 1937 war es dann soweit. Der erste abendfüllende Trickfilm war geboren. Dabei handelt es sich um die farbenfrohe Bebilderung eines klassischen Märchens aus dem überlieferten Fundus der Gebrüder Grimm – Schneewittchen. Diese volkstümliche Erzählung zählt wohl neben Dornröschen und Hänsel & Gretel zu den beliebtesten Märchen, und angesichts dieser Tatsache war die Realisierung des Stoffes nur eine Frage der Zeit. Und Zeit, das brauchte dieser Film, war doch damals alles reine Handarbeit. Umso mehr ist dieser gezeichnete Familienfilm für Alt und Jung ein Zeitdokument und eine tricktechnische Kostbarkeit. Das ist jedenfalls mal keine Frage. Angestaubt wirkt der Film aber trotzdem. Weniger von den Zeichnungen und den animierten Figuren her, die allesamt in ihrer Lebendigkeit einzigartig bleiben werden. Es ist viel mehr die biedere, antiquierte Dramaturgie der Geschichte, die sehr stark den Geist der damaligen Zeit widerspiegelt, mit entrückten Gesangseinlagen verzaubert und das Märchen romantisch verklärt. Unweigerlich denke ich an all die zuckersüßen Kinderbücher, die es damals gegeben hat. Betrachtet man den Film, riecht man förmlich das alte, muffige Papier dieser für den artigen Nachwuchs zu dieser Zeit erlaubten Lektüre. Wobei man wissen sollte, dass insbesondere Märchen ursprünglich für Erwachsene gedacht waren, geht’s doch in diesen Geschichten sehr viel und sehr oft um Rache, Gier, Neid, Tod und Verderben. Harmlose Stories sind das alles keine. Und selbst Disney kommt nicht drum rum, Schneewittchen zumindest in einen ewigen Schlaf zu schicken. Anders als in der Vorlage, denn soweit ich weiß erstickt das junge, wunderschöne Mädchen am giftigen Apfel. Erst als die Zwerge mit dem Glassarg stolpern, und sich das Apfelstück aus ihrem Rachen löst, kommt sie wieder zu sich. Disney macht es anders. Harmloser, familientauglicher. Und der vergiftete Kamm kommt auch nicht vor.

Hauptaugenmerk der Konzeptionisten, Zeichner und Koloristen lag letzten Endes eindeutig auf die Beschaffenheit und die Lebensweise der Zwerge. Ihnen gehört der Film. Vom kleinsten, Seppl, bis zum griesgrämigen Brummbär. Man sieht, dass die Kreativen hier den meisten Spaß hatten. Die Animationen sind perfekt. Die Charaktere noch viel mehr. Jeder Zwerg ist für sich ein Unikat, eine unverwechselbare, lebendige Figur. Und so schenkt Disney den Zwergen die meiste Zeit des Filmes. Sie singen, wandern, stellen sich vor. Kern des Werkes ist eine gezeichnete, bunte Revue, die Aug und Ohr sowie Groß und Klein gleichermaßen erfreut. Wobei das Herumgehüpfe und all die niedlichen Showeinlagen irgendwann dann weit über die Zipfelmütze hinausschießen. Die letzten zehn Minuten haben es dann aber in sich. Die Hexenjagd wird zum zeichnerischen Höhepunkt. Und wie gesagt, frei nach den Gebrüdern Grimm.

Ungeachtet der Tatsache, dass Schneewittchen sichtlich ihre Jahre auf dem Buckel hat – der Kinoerstling Disneys ist ein Meilenstein der Filmgeschichte, und ein Klassiker des animierten Kinos. Filme wie diese beurteilt man dann nicht mehr nach ihrer inhaltlichen Qualität. Sondern nach dem, was sie einst waren – Pioniere.

 

Schneewittchen (1937)

BFG – Big Friendly Giant

filmgenuss, , , , , Hinterlasse einen Kommentar

DIE QUEEN FURZT BLUBBERWASSER

* * * * * * * * * *

bfg

Regiewunderkind Steven Spielberg ist mittlerweile in einem Alter, in welchem er nur mehr jene Filme verwirklicht, die er auch wirklich aus eigener Lust und Laune heraus verwirklichen möchte. Da ist weit und breit kein Studio mehr, das ihm Vorschriften macht. Wie denn auch, er hat sein eigenes. Und so wird er womöglich bis ins hohe Alter hinein einfach nur mehr Spaß an seiner Arbeit haben. Und das merkt man seinen Filmen auch an. Sie haben nicht diese Mainstream-Gefälligkeit wie manch eine Comicverfilmung oder ein kühl kalkulierter Blockbuster. Es sind persönliche Filme, die Spielberg da macht. Und so ist es wenig verwunderlich, dass ein recht sperriges Märchen wie Roald Dahls Sophiechen und der Riese, das überhaupt nicht den Anspruch hat, seine Produktionskosten wieder einzuspielen, auf die Leinwand kommt.

Vielmehr ist die nach Matilda, Tim Burtons Süßigkeiten-Exegese und dem Puppentrickfilm Der phantastische Mr. Fox von Wes Anderson der Big Friendly Giant, kurz BFG, die neueste Visualisierung der schrägen Kinderbücher des walisischen Schriftstellers. Die abenteuerliche Geschichte ist schnell erzählt. Doch ähnlich wie bei den Hobbit-Verfilmungen füllt Spielberg die Erzählung mit allerhand Schauwerten und spart nicht mit enorm in die Länge gezogenen Bildbeschreibungen, die mitunter für großes Gähnen sorgen. Dick aufgetragener Kitsch hast meistens die Angewohnheit, zu langweilen. Und das ist der große Fehler bei dieser familientauglichen Chronik einer Kindesentführung, in der ein zu groß geratenes Traummännlein von einem Waisenmädchen zufällig entdeckt wird und folglich an der Seite des gutmütigen Nachtwandlers das Land der Riesen betritt. Dieses erinnert unweigerlich an das Auenland Tolkiens, auch die anderen bärbeißigen, menschenfressenden Riesen sehen aus wie eine Mischung aus Ork und die Wikinger aus Drachenzähmen leicht gemacht. Wenn diese Riesen unter den Wiesen des Landes ihr Nickerchen machen, hat der Film seine besten Momente. Vor allem dann, wenn sich Sophiechen zwischen den schnarchenden Menschenbergen hindurchschleicht. Mark Rylance, der auch schon in Spielbergs Bridge of Spies eine tatsächlich außerordentliche Leistung vollbracht hat und nun neben Tom Hanks zu den Lieblingsschauspielern des New Hollywood-Pioniers zählt, verkörpert den großen freundlichen Giganten auf eine wehmütige, kindliche, aber auch altersweise Art. Seine Gesichtszüge erkennt man in dem digitalen, runzeligen Gesicht des weißhaarigen Traumfängers recht gut wieder, die Künstlichkeit von Spielbergs Figuren sind aber leider auch präsenter denn je. Der Naturalismus der Beschaffenheit von Haut, Haar und Materialien mag vollkommen sein, die Bewegungen und vor allem die Mimik der phantastischen Kreaturen sind es nicht. Der virtuelle Mensch ist immer noch ein Ei des Columbus, der Weg zu täuschender Echtheit noch ein langer – was bei den Tieren bereits so gut wie erreicht scheint – man sehe sich nur Jon Favreaus The Jungle Book an. Durch diese unbeholfene Künstlichkeit der Riesen – und vor allem des einen Riesen – bekommt der Film neben seiner Zähigkeit auch noch eine gewisse unrunde Eigentümlichkeit. Es ist eine Künstlichkeit, die sich in die skurrile Geschichte schwer einfügt, obwohl manche Szenen in Bezug auf ihre Echtheit wieder besser geglückt sind als andere.

BFG bleibt eine Fußnote in den Roald Dahl-Verfilmungen. Süßlich, bunt und stellenweise märchenhaft verträumt, doch schwerfüßig erzählt und kein harmonisches Ganzes – was Kindergeschichten allerdings brauchen, um zu faszinieren.

 

 

BFG – Big Friendly Giant

Trolls

filmgenuss, , , , , , , , , , , , Hinterlasse einen Kommentar

EIN FALL FÜR DIE TROLLFAHNDUNG

* * * * * * * * * *

trolls

Glück kann man nicht essen. Und das gibt’s auch nicht in kleinen, pharmazeutischen Dosen, abgepackt in Form von farbenfrohen Wichteln, die sich Trolls nennen, und eine erstaunliche Vorliebe für Cupcakes, Singen und Kuscheln an den Tag legen. Tatsächlich handelt das allem Anschein nach superkitschige Märchen von ewig partyschmeißenden, knapp zehn Zentimeter großen Gnomen, die von griesgrämigen Riesen namens den Bergen unentwegt gejagt, gefangen und verputzt werden, um durch die orale Einnahme der sorgenfreien Radaubrüder den Rhythmus des immerfröhlichen Lebens zu verspüren. Wenn man sich den Placebo-Effekt lange genug einredet, so kann’s passieren, dass das Ergebnis wie erwartet eintritt. Ein bisschen erinnert die Vorgehensweise der ogerartigen Riesen das an jene kannibalischer Völker aus Neuguinea oder Borneo, die durch den Verzehr besiegter Feinde deren Seele in sich aufzunehmen glaubten. Zum Glück sind diese Zeiten vorbei. Nicht aber in jenem Land, wohin uns diese zauberhafte, quirlige Animationsfantasy entführt.

Mädchen und Jungs dürften von Trolls gleichermaßen begeistert sein. Und auch wenn alles auf eine verkitschte Kommerzhysterie hindeutet – die Erwachsenen werden staunen, was alles zwischen Cupcakes und Regenbogen sonst noch Platz hat. Nämlich allen voran eine kluge Geschichte, die den Vergleich mit anspruchsvollen Kindergeschichten im Stile von Mira Lobe nicht zu scheuen brauchen. Freilich, Kitsch ist genug vorhanden. Die Farbe Rosarot verursacht genauso Augentränen wie farbexplodierende Feuerwerke, funkelnde Glitzertrolle und allerhand quietschbunter Fantasiewesen in einer Mischung aus Plastilin und Filzbastelei. Andererseits aber, und das hätte man kaum hinter diesem Film vermutet, finden sich die haarprächtigen Kerlchen in einem düster-bizarren Filmkosmos ähnlich eines Tim Burton wieder. Die Welt der Bergen erinnert stark an den Laika-Puppentrickfilm Die Boxtrolls. Vor allem die Optik erinnert zeitweise an Stop-Motion, auch dank der Beschaffenheit filz- und stoffartiger Landschaften. Manch eine Kreatur könnte aus Nightmare before Christmas in die kindliche Welt von Dreamworks hinübergerutscht sein. Der Mix des Filmes macht es aus, dass wir es hier tatsächlich mit einem gelungenen Stück Kinderkino zu tun haben, das zugleich spannend, weise und überaus komisch ist. Vor allem die Figur des unansehnlichen, aber drolligen Bergen-Zimmermädchens Bridget ist ein greifbarer, berührender Charakter geworden, voller Sehnsüchte und Selbstzweifel. Wenn das Mädchen dann unter ihrem wallenden Trolls-Haar und in Plateauschuhen ihrem geliebten Prinzen gegenübertritt (übrigens mein Favorit), werden Erinnerungen an John Waters Musical Hairspray wach. Dieses Switchen zwischen verspielter Lieblichkeit und einem bizarren Mut zur Hässlichkeit macht den Reiz des Filmes aus, weniger die neuinterpretierten Ohrwürmer aus den 80ern.

Trolls sprüht vor Elan und entführt die ganze Familie auf eine abenteuerliche Sinnsuche zwischen Gefressen werden und Glückshormonen. Und die magischen, enorm belastbaren Frisuren der kleinen Wesen lassen den Drei-Wetter-Daft von Schwarzkopf reichlich alt aussehen.

Trolls