Emily Watson

Die Legende von Ochi (2025)

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DAS GURGELN DER STUMPFNASEN

3/10


© 2025 Plaion Pictures


ORIGINALTITEL: THE LEGEND OF OCHI

LAND / JAHR: USA 2025

REGIE / DREHBUCH: ISAIAH SAXON

CAST: HELENA ZENGEL, FINN WOLFHARD, WILLEM DAFOE, EMILY WATSON, RAZVAN STOICA, CAROL BORS, ANDREI ANGHEL, EDUARD MIHAIL OANCEA U. A. 

LÄNGE: 1 STD 36 MIN


Diesmal schreit Systemsprenger Helena Zengel nicht wie am Spieß, sondern sie gurgelt. Ein gutturales Krächzen, so als hätte sie sich beim Zähneputzen verschluckt. Leicht enervierend ist das, wenn Menschen solche Geräusche machen. Töne wie diese, die werden wohl besser im Tierreich eifrigen Übungen unterzogen, sind diese doch die Art und Weise, auf welcher sich die sogenannten Ochis untereinander austauschen. Besser wäre es gewesen, sie hätten sich nicht auf einen neugierigen Homo Sapiens-Jungspund eingelassen, der eine ganze Entourage xenophober Dorfbewohner einschließlich des eigenen Vaters im Schlepptau hat, sondern wären unter sich geblieben. Doch es kommt, wie es in Filmen über gefährdete und missverstandene Minderheiten wohl kommen muss, egal ob sie menschlicher oder tierischer Natur sind: Immer muss es eine oder einen Auserwählten geben, der die Brücke schlägt zwischen Aberglaube und Querdenkerei auf der einen, und Erkenntnis und Wahrheit auf der anderen Seite. Meistens sind das junge Menschen, die offen für alles sind, im Gegensatz zu ihren alten Herrschaften, die mit kulturell implementierten Fake-News aufgewachsen sind und fortan damit leben müssen.

Einen solchen gibt Schauspiel-Chamäleon Willem Dafoe, der sich, wenn es die Umstände verlangen, in eine der römischen Antike nachempfundene Rüstung zwängt. Damit will er dem Bedrohlichen entgegentreten, ungeachtet der Tatsache, dass diese Ochis sowieso nichts Böses im Schilde führen, sondern nur in Ruhe ihrem archaischen Tagwerk nachgehen wollen, wären doch diese zweibeinigen Aggressoren, die in ihren Hütten auf einer Insel im Schwarzen Meer leben, nicht so dermaßen regressiv. Natürlich hat Regisseur und Autor Isaiah Saxon nichts anderes im Sinn, als eine Parabel auf Vorurteil und ethnisch motoviertem Hass zu gestalten, in der kitschigen Ausgestaltung eines mehrfach übermalten und üppigen Bilderbuchs, das, wenn man genauer hinsieht, wirkliche Kreativität aber vermissen lässt. Die Settings wirken wie naive Kunst, ein bisschen Schaukasten, wie ihn Wes Anderson befüllt, und etwas Retro-Flair, der sich einem völlig aus der Zeit gefallenen Analogismus hingibt, ohne so recht zu wissen, auf welche Weise.

Helena Zengel, verwachsen mit ihrem gelben Parka, hat all die althergebrachten Glaubenssätze hinter sich gelassen. Sie findet ein niedliches Affenbaby weitab von seiner Familie in einem hohlen Baumstamm, um es nach dem schwierigen Prozedere einer Annäherung mit nach Hause zu nehmen. Nur, um es dann wieder seiner Familie zurückzubringen. Dass sie dabei zur Erkenntnis gelangt, es mit einer weitaus höher entwickelten Spezies zu tun zu haben als mit von niederem Instinkt getriebenen Wilden, weiß das Publikum schon lange, bevor das erste Konterfei eines solchen Wesens die Leinwand entert. Kennern der Primatologie kommen bei deren Anblick unweigerlich jene Stumpfnasenaffen in den Sinn, die in China auch als Goldaffen weltberühmt sind. Viel Kreativität hat Saxon dabei nicht in seine magischen Wesen gelegt, sondern lediglich im Lexikon der Zoologie geblättert.

Das aber ist nicht das Hauptproblem eines Creature Features mit Versöhnungsbotschaft. Die Legende von Ochi, ein immerhin in Rumänien gedrehtes, US-amerikanisches Drama, dass sich an Fake-Mythen versucht und dabei auf die titelgebende Legende vergisst, hängt in einem pittoresken Gemälde-Kolorit fest, ohne zu wissen, das es außerhalb des patinierten Rahmens noch etwas gibt, das nicht abgebildet werden kann und sich mitunter Seele nennt. Die Story selbst schwelgt zu selbstverliebt in seiner Optik, Dafoe und Emily Watson bleiben gerade mal flache Randfiguren, was sie nicht sollten, während Zengel, sobald sie ihre gutturalen Laute auspackt, nicht nur seltsam befremdet, sondern auch ordentlich auf die Nerven fällt.

Vielleicht liegt das Missgeschickliche an diesem Film auch am großzügigen Verzicht auf das gesprochene Wort (Finn Wolfhards Text hat man fast ganz gestrichen), vielleicht ist das Kontemplative viel zu konstruiert und gewollt, um die Idee eines kraftvollen Naturdramas umzusetzen. Die analog animierten Wesen sind zweifelsohne top, die Künstlichkeit von allem anderen treibt ein schwachatmiges Märchen vor sich her, das an seiner Möchtegern-Verschrobenheit halb erstickt und so tut, als könnte es osteuropäischen Spirit vermitteln, während sich die goldenen Affen von Shaanxi dabei ins Fäustchen lachen.

Die Legende von Ochi (2025)

The Happy Prince

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LAST DAYS OF BEING WILDE

6/10

 

happyprince© 2000 – 2018 Concorde Filmverleih GmbH

 

LAND: DEUTSCHLAND, BELGIEN 2018

REGIE: RUPERT EVERETT

CAST: RUPERT EVERETT, COLIN FIRTH, EDWIN THOMAS, COLIN MORGAN, EMILY WATSON, TOM WILKINSON U. A.

 

Da siecht er dahin, der große Künstler. Im Hotel d´Alsace in Paris dämmert er seinem Tod entgegen, unter Beisein eines Priesters, seines engsten Vertrauten und zwei Waisenbrüdern von der Straße, die Oscar Wildes Geschichte zu Ende hören wollen. Nämlich die vom Glücklichen Prinzen. Irgendwann aber kann sich der einst so hochgelobte und verehrte Dichter nicht mehr artikulieren. Und stirbt an einer Encephalitis, zugezogen durch eine chronische Mittelohrentzündung. Die letzten Jahre im Exil waren allerdings auch schon schlimm genug, und entsprechend entbehrlich. Von Frau und Kind getrennt, von seiner Heimat Großbritannien geächtet und von seiner gesellschaftlich verbotenen Liebe zum gleichen Geschlecht zerrissen, vegetiert die wohl unglücklichste Persona Non Grata der Literatur in heruntergekommenen Vierteln von Paris und in Neapel vor sich hin, schreibt Briefe, sonst aber nichts mehr. Wegen Unzucht mit männlichen Prostituierten ins Gefängnis geworfen, kommt der Schöpfer des Dorian Gray (übrigens sein einziger Roman) und des Gespenstes von Canterville nach zwei Jahren Zwangsarbeit gebrochen und gesundheitlich angeschlagen vom Regen in die Traufe.

Der britische Theaterschauspieler und Wilde-Kenner Rupert Everett, der unter anderem auch schon in dessen Drama-Verfilmungen An Ideal Husband (Golden Globe!) und The Importance of Being Ernest die Hauptrollen verkörpert hat, widmet sich frei fabulierend und mit fotographischer Raffinesse den letzten Lebensjahren einer offensichtlich für Everett selbst sehr inspirierenden Ikone. Nicht nur übernimmt der ebenfalls homosexuelle Künstler, der sich in jungen Jahren zwecks Geldbeschaffung selbst prostituierte, die Regie für diese sehr persönliche Hommage, sondern gleich auch die Hauptrolle und macht Stephen Fry – der schon einmal, und zwar in Wilde, den eitlen Dandy mit Hang zur freien Liebe verkörpert hat – ernstzunehmende Konkurrenz. Fry hat in Brian Gilberts Film aus dem Jahre 1997 den Dichter bis zu seinem Exil nach Paris begleitet – die finsteren letzten Jahre allerdings spart er aus. Genau da setzt The Happy Prince an – und taucht seinen Abgesang, seine Anti-Biographie, seinen Kreuzweg eines Künstlers in ein emotionales Wechselbad an assoziativen Bildern, trottenden Silhouetten und spukhaften Erscheinungen, die sich nach dem Gewesenen und Verschwundenen sehnen. Everett gelingt die Verkörperung des Gebrochenen erwartungsgemäß schmeichlerisch, theatralisch überhöht, erschafft dadurch aber auch etwas rehabilitierend Heilendes, einen versöhnlichen Abschied, mit all seinen dunklen Momenten und offenen seelischen Wunden.

Erbaulich ist The Happy Prince natürlich nicht. Von einer klassischen Biographie ist auch keine Rede. Everetts Film ist wie ein wehmütiges Requiem, voller Respekt vor dem Leiden und Lieben einer öffentlichen Person, die höchsten Ruhm erfahren und den tiefsten Fall ertragen hat. Und das in einer Zeit, in der soziale Medien praktisch nicht vorhanden und Shitstorms noch lange nicht ihr schlecht artikuliertes Unwesen treiben. Feigheit vor der Schmähung anderer gab’s aber schon damals nicht. Wo jemand zum gesellschaftlichen Freiwild wird, ist die Meute schnell vereint. Eine Eigenschaft, typisch Mensch – und die Oscar Wilde an den Pranger bringt. So gesehen lässt sich in dieser psychosozialen Nachtgeschichte sowohl der Zerfall einer Berühmtheit beobachten als auch das Sitten- und Unsittenbild eines endenden Jahrhunderts. Rupert Everett mittendrin, verhaftet in einer Illusion vergangener Tage, später dann in Resignation und Agonie. Für Hardliner literaturgeschichtlicher Schwermut ein fast schon voyeuristisches Endspiel, gemeinsam mit Brian Gilberts weitaus gefälligerer Formulierung einer Lichtgestalt sind das konsequent zu Ende erzählte Fakten eines Lebens aus Licht und stark kontrastierender Schatten.

The Happy Prince

Am Strand

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GESTERN, HEUTE, MORGEN

7,5/10

 

amstrand© 2000-2018 PROKINO Filmverleih GmbH

 

LAND: GROSSBRITANNIEN 2018

REGIE: DOMINIC COOKE

CAST: SAOIRSE RONAN, BILLY HOWLE, EMILY WATSON, ANNE-MARIE DUFF U. A.

 

Harry & Sally haben schon in den 80ern versucht, zu beweisen, dass nicht gleichgeschlechtliche Freundschaften ohne sexuelle Komponente einfach nicht möglich sind. Da gab es damals noch genug zu schmunzeln. Das gibt es 2018 mit der Verfilmung der 2007 entstandenen Novelle Am Strand von Autor Ian McEwan nicht mehr. Wobei die Geschichte zweier Liebender eine ganz andere ist. Aber doch sehr viel mit Freundschaft, Partnerschaft und letztendlich Sex zu tun hat. Und dieser Sex, dieses große Tabuthema, dieses Etwas, worüber Mann und Frau nicht spricht, schon gar nicht Anfang der 60er Jahre – der kann vielmehr oder alles ruinieren anstatt auch nur irgendetwas zu richten. Und das, bevor er überhaupt jemals Teil einer Beziehung wird. Denn eine Beziehung, keine freundschaftliche, sondern eine eheliche – die will natürlich vollzogen werden. Das langjährige Partnerschaften irgendwann fast oder ganz ohne Intimitäten auskommen können, ist sicherlich, so wage ich zu behaupten, keine Seltenheit. Deshalb muss eine solche nicht gleich vor der Kippe stehen, sondern, ganz im Gegenteil, beständiger sein als andere. Das Partnerschaften gleich anfangs Probleme damit haben, Intimitäten zu leben, ist dann doch eher selten. Und vielleicht auch ein Grund zur Trennung. Denn ganz so nebensächlich ist Lust und körperliche Liebe ganz sicher nicht. Vor allem auch, wenn Nachwuchs geplant werden will. Da aber in den prüden frühen 60ern Sex so gut wie unkommentiert bleibt, führen unterschiedliche Erwartungshaltungen zu schwerwiegenden Missverständnissen, die sogar taufrische Bündnisse fürs Leben nach nur wenigen Stunden bereits in den Abgrund stürzen.

Dieses Dilemma aus Erwartung, Angst und ehelichen Pflichten ist dann auch das Fallbeil, dass auf die kokette Florence und ihren angetrauten, selbstzweifelnden Edward niedersaust. Die Zukunft, die sich beide wohl in ihrer ungestümen, jugendlichen Phase des Kennen- und Liebenlernens wohl ausgemalt haben, wird urplötzlich schwarz überpinselt, als in einem Hotel am Chesil Beach die innersten Befürchtungen der beiden nach außen gekehrt werden. Nämlich, dass Zuneigung und Vertrauen eine Sache sind, sexuelles Begehren eine andere. Und dann kommt der point of no return, wenn das flitterwöchentliche Himmelbett nur darauf wartet, eingeweiht zu werden. Plötzlich sind sich die beiden Turteltauben fremder denn je. Der Druck, alles richtig zu machen, trifft auf die Furcht vor dem Koitus an sich, und nichts ist mehr so, wie es am Tage zuvor noch war. Dem Versagen von beiden Seiten folgt die Erkenntnis eines verheerenden Scheiterns, sowohl auf kommunikativer als auch auf emotionaler Ebene.

Regisseur Dominic Cooke findet für seine so behutsame wie ansprechende Verfilmung von McEwan´s Novelle berührend anmutige, expressive Bilder. Ganz besonders die Schlüsselszenen am Strand vor regenschwerer Wolkenbank, davor ein Boot und Saoirse Ronan in blauem Kleid. Es sind Stimmungen wie aus den Bildern eines Edward Hopper, Neue Sachlichkeit trifft auf reduktionistische Poesie. Billy Howle als der entrüstete Bräutigam Edward sagt Worte, die irreparablen Schaden anrichten, bis er gar nichts mehr sagt. Und Kompromisse für ein Lebensglück kein Thema sind. Ronan, zuletzt in Lady Bird wirklich überzeugend resolut und verträumt, verleiht ihrer jungen Florence, die mit einer dunklen Vergangenheit hadert und sich nach bedingungsloser Nähe sehnt, so etwas wie verzweifelte Zuversicht, sofern es so etwas gibt. Bis diese im Sand verläuft und bitterer Enttäuschung weicht. Beide Protagonisten meistern trotz ihrer Verantwortung für das Gelingen dieses Filmes ihre Rollen mit zielsicherem Gespür für Situationen und dem gesellschaftlichen Umfeld einer Zeit lange vor deren Geburt. Am Strand hat fast schon epischen Charakter, erzählt in stetem Wechsel von vergangenen Momenten und der Zukunft eines versäumten Lebens. Und von einer Chance, die niemals wiederkehrt und einem gemeinsamem Glück, das womöglich funktioniert hätte, hätten beide einander zugehört. Am Strand ist die Schilderung eines Lebens, in der zwei Liebende irgendwann nichts mehr voneinander wussten und zugeschlagene Türen nicht mehr zu öffnen sind. Ein schöner, schmerzlicher, faszinierender Film über Erwartung und Enttäuschung. Nicht wirklich erbaulich, dafür aber sehnsüchtig, wie der Blick aufs Meer, vom Strand aus.

Am Strand