Jugend ohne Gott

IM MAHLSTROM DES WETTBEWERBS

7/10

 

jugendohnegott© 2017 Constantin Film

 

LAND: DEUTSCHLAND 2017

REGIE: ALAIN GSPONER

MIT JANNIS NIEWÖHNER, FAHRI YARDIM, EMILIA SCHÜLE, ANNA-MARIA MÜHE, RAINER BOCK U. A.

 

Ödön von Horváth zählt für mich schon seit der Mittelschule zu den wohl beeindruckendsten Autoren der Zwischenkriegszeit. Zu jenen Autoren, die so wie Joseph Roth oder Jean-Paul Sartre wirklich sehr viel zu sagen hatten. Unglücklicherweise traf den zivilisationskritischen Schriftsteller kurz vor dem Einmarsch der Nazis in Österreich an der Champs Elysees in Paris ein umstürzender Baum. Mittlerweile bin ich zwar schon älter, als Horváth je war – sein zeitloses Œuvre überdauert allerdings jede menschliche Lebensspanne und findet auch in der Filmwelt des 21ten Jahrhunderts unterstützende Verwendung. Vor allem sein dritter Roman Jugend ohne Gott.

Regisseur Alain Gsponer hat die Geschichte in seinen Grundzügen genau so belassen, allerdings in eine völlig andere Zeit und in einen anderen Kontext gesetzt. In seinem gleichnamigen Film Jugend ohne Gott finden sich die Schüler einer Abschlussklasse zwar auch in einem Zeltlager wieder, müssen aber, um einen der heiß begehrten fünf Studienplätze an einer Elite-Universität zu erlangen, diverse Aufgaben und Herausforderungen in makelloser Perfektion erfüllen. Da ist natürlich jeder gegen jeden, Teamwork ist zwar erwünscht – dauerhaft aufrecht erhalten lässt sich die gute Miene zum bösen Spiel wohl aber eher nicht. Vor allem nicht, wenn emotionale Unreife schwer zur Selbstreflexion einlädt. Da muss es schon gut laufen, damit überhaupt 5 Finalisten zur Auswahl stehen können. Die Next-Top-Model-Shows haben da wohl eine bessere Quote, trotz erwähntem Gefühlschaos zwischen den Rivalinnen.

Der Kniff an Gsponer´s Filminterpretation liegt an den drei Sichtweisen, die er nacheinander vorbringt. Zuallererst steht die Schülerin Nadesh – im Roman so wie alle anderen Schüler mit nur einem Buchstaben bezeichnet, in diesem Fall N – im Mittelpunkt des Geschehens. Worauf das ganze Drama aus Sicht des andersdenkenden Schülers Zacharias – im Roman Z – um einige weitere Details erschlossen wird. Um abschließend als dritte Instanz die Ereignisse unter dem Blickwinkel des Lehrers zu ergänzen. Eine interessante dramaturgische Konstellation, die man so ähnlich auch in dem Politthriller 8 Blickwinkel erleben kann – oder zum Teil auch in den Filmen Quentin Tarantinos, der seine geschickt gesetzten Kapitel ebenfalls mit sich wiederholenden Geschichten aus anderen Wahrnehmungen heraus erzählt. Das sorgt natürlich dafür, dass sich das Spannungspotenzial vor allem im Suspense- und im Thriller-Genre manchmal in erwünschte, ungeahnte Höhen schraubt.

Der Verfilmung Jugend ohne Gott, die nun mal mehr eine Tragödie als ein Thriller ist, gelingt damit zwar nicht aufgrund unerhrter Spannung, dafür aber mit gewecktem Interesse der Absprung – und bewahrt das Drama davor, durch die schwelende Nüchternheit, die gefühlskalten, dystopisch angehauchten Zukunftsvisionen innewohnt, in für Dystopien im Allgemeinen gefährlich belangloser Apathie abzugleiten. Das Drehbuchduo Alex Buresch und Matthias Pracht machen aus der literarischen, schwermütigen Vorlage einen gewieften Social-Fiction-Thriller, der ganz gut mit seinem Personal klarkommt. Allen voran mit den gierend kalten Blicken von Anna-Maria Mühe, die als Campleiterin keine Kompromisse duldet. Jannis Niewöhner, den ich erstmals als Maximilian in Andreas Prohaskas gleichnamigem Event-Dreiteiler aus dem Fernsehen für gut befinden konnte, legt sich in den deutschen Wäldern mit den Illegalen an – im Roman gewöhnliche Diebe. Um nicht zu sagen – er kokettiert mit deren Freidenker-Philosophie und verliebt sich auch in Oberdiebin Emilia Schüle. Durch die Bank eigentlich ein jugendlicher Cast, der seine Sache gut macht. Vielleicht manchmal seine Emotionsausbrüche über Gebühr strapaziert, aber selten unglaubwürdig handelt.

Jugend ohne Gott ist stimmiges Gymnasiastenkino und dank Ödön von Horváth eine inhaltlich straffe Kritik an das Elitedenken kommender aufsteigender Generationen. An eine kompromisslose Leistungsgesellschaft, die auf Burnout, Neid und Ellbogenphilosophie konzipiert ist. Und Versager nicht duldet. Doch im Versagen wohnt Erkenntnis. Etwas, das Z wie Zacharias letzten Endes und fast schon als Glück im Unglück wiederfährt. Ein schöner Ansatz, eine reizvolle Verpackung. So kann Literatur im Kino für die Generation X aussehen, die vielleicht gar nicht mehr weiß, wer Horváth wirklich war, welche Zeit ihn geprägt und was ihn bewogen hat, in seinen Werken so dermaßen schwarz zu sehen. Vielleicht tauchen irgendwann im Kino die Geschichten aus dem Wienerwald auf, im Gewand eines neuen gesellschaftlichen Morgens, als Allegorie auf eine Welt voller Eigen- und Ausnützern. Mit Augen, so kalt wie ein Fisch.

Jugend ohne Gott

Paterson

DIE POESIE DES EREIGNISLOSEN

7,5/10

 

PATERSON_D29_0219.ARW© 2016 Filmladen / Photo: Mary Cybulski 

 

LAND: USA 2016

BUCH & REGIE: JIM JARMUSCH

MIT ADAM DRIVER, GOLSHIF TEH FARAHANI, WILLIAM JACKSON HARPER U. A.

 

Wie das Amen im Gebet erfolgt nach der Sichtung eines Blockbuster-Filmes geradezu gebetsmühlenartig die schlagkräftige Kritik mangelnder Handlung und dünnem Plot. Mainstream darf enorm aufwändig sein, visuelle Brillanz ist was Selbstverständliches geworden. Mainstream muss alles können. Und vor allem darf Mainstream eines nicht – inhaltsarm sein. Ganz so wie die meisten Opern. Aber Opern dürfen das. Ihre Libretti sind in wenigen Minuten durcherzählt. Aber Oper ist Kunst. Budgetintensives, handwerklich perfekt inszeniertes und ausgestattetes Kino, im Grunde Oper für die Leinwand, verdient sich dieses Prädikat dank kommerzorientierter Beweggründe aus Sicht des Publikums leider nicht. Dafür werden all jene, die hinter einem Großprojekt stehen, und für Maske, Kostüme, Ausstattung, CGI und was weiß ich noch allem verantwortlich sind, dankbar sein. All das steht im Gegensatz zum Arthouse.

Arthouse darf alles, muss aber nichts. Arthouse kann auch nur ein weißes Quadrat sein, ohne Rahmen. Kann im Kino auch nur durch ein Meer aus Blau mäandern und bedeutende Worte von sich geben. Oder der Poesie des Ereignislosen frönen. Niemand kann sowas besser als Jim Jarmusch. Die Independent-Ikone ist wohl der eifrigste Schüler des ursprünglich italienischen Neorealismus, behält aber seine Figuren träumerisch verklärt und lässt sie niemals abstürzen – schlimmstenfalls kann es passieren, dass sie in der Bewegungslosigkeit verharren, bis auf ewig. Bis über das Ende des Films hinaus. So auch hier, im neuesten Werk des Regie-Individualisten mit silberner Struppelfrisur. Seine filmgewordene Alltagsphilosophie nennt er Paterson – ganz so wie die Bundesstadt New Jerseys. Und auch ganz so wie der Poet selbst, um den es hier geht. Jarmusch begleitet den lakonischen, stets wehmütig dreinblickenden Adam Driver, der hier so überhaupt nichts von seiner Rolle aus Star Wars mitgenommen hat, auf seiner täglichen Routine. Und das sieben Tage lang. Und Paterson schreibt. Gedichte über Streichhölzer zum Beispiel. Und seine Freundin, die bemalt, während Paterson als Busfahrer unterwegs ist, die Wohnung in schwarz und weiß. Auch eine Möglichkeit, sich zu verwirklichen. Doch Paterson, der verwirklicht sich nie. Oder ist die Poesie für die Schublade genau das, was er will?

Mehr passiert nicht wirklich. Und diesmal hat Jim Jarmusch nicht einmal so einen schmissigen Musikmix zusammenselektiert wie in Broken Flowers. Oft bleiben die Szenen aus dem Leben von Mann, Frau und Hund musikalisch unkommentiert. Paterson ist reduziertes Independentkino, aber mit Bildern, die so typisch Jarmusch sind, und andererseits aber an Bilder des Malers Edward Hopper erinnern. Die Szenen in der Bar, die Paterson jeden Abend aufsucht, um sein Feierabendbier zu trinken. Das zerstrittene Ehepaar links der Musikbox. Oder das schwarzweiße Sofa, links Adam Driver, rechts die Gitarre mit Harlekinmuster. Requisiten, die Paterson zu einem kleinen, kunstvollen Stück Filmrealismus werden lassen. Darüberhinaus denkt Jarmusch sehr viel über die Bedeutung von Erfolg nach. Von Erfüllung, Lebensträumen und verpassten Chancen. Und dass die Dinge, auf die man sich schon morgens beim Aufstehen freut, nicht für andere, sondern für sich selbst verwirklicht werden sollten.

Jarmusch hat es wieder mal geschafft, das Ruhe und Reflexion ins Kino einkehrt. Auch ohne viel Handlung, dafür aber mit reichlich Besinnung.

Paterson

Was hat uns bloss so ruiniert?

JAMMERN AUF HOHEM NIVEAU

4/10

 

ruiniert

REGIE: MARIE KREUTZER
MIT PIA HIERZEGGER, MANUEL RUBEY, ANDREAS KIENDL

 

Marie Kreutzer hat recht. Die österreichische Filmemacherin, die stets präzise und durchdacht psychosoziale Verhaltensweisen junger, urbaner Mittelstandsgesellschaften seziert, widmet sich in ihrem neuesten Film den Egoproblemen werdender Bobo-Familien – und hat auf einmal nichts zu erzählen. Jedenfalls nichts Neues. Allerdings – das, was sie zu erzählen hat, stimmt. So ist sie, die Generation Ich, die jungen Mittdreissiger, die zwischen Torschlusspanik und versemmeltem Leben noch einmal die Kurve kratzen und sich selbst verwirklicht sehen wollen. Sich selbst, niemand anders. Weder den Nachwuchs noch den Partner. Der Nachwuchs, der wird zum Versuchskaninchen der eigenen Verwirklichung. Das sieht auf den ersten Blick aus, als wäre das Wohl des Kindes oberstes Gebot, auf den zweiten Blick ist es eine ignorante Bessere-Welt-Illusion, die Mutter und Vater zu neuen Helden des Alltags werden lässt. Und dabei geht es nicht darum, was das Beste für das Kind ist, sondern was sich dem Trend gemäß einfach richtig anfühlt – für die lieben Eltern. Da kommt schon einige Wut hoch, bei Betrachten des Filmes. Weil man diese Leute genau so kennt. Und nichts daran ändern kann. Und damit war es das auch schon, mit Was hat uns bloß so ruiniert. Leere Hüllen, um sich drehende menschelnde Satelliten, intellektuell und fähig zwar, aber hoffnungslos überfordert mit dem, was das neue Jahrtausend an Möglichkeiten mit sich bringt. Man kann sich leisten, Single zu sein. Man kann sich leisten, alles über Bord zu werfen. Und man kann sich leisten, dem Kind keine Windeln anzuziehen. Allüren, die der übersättigte Wohlstand erlaubt. Und die uns am Ende ruinieren.

Aber wie kann die Realsatire über altkluge Möchtegern-Individualisten einen ganzen Spielfilm lang unterhalten? Vor allem, wenn die Charaktere, die sich unentwegt in der Schwebe befinden, zu nichts und niemanden, nicht einmal zu sich selbst, stehen wollen? Kreutzer, die sich, so scheint mir, an Sofia Coppolas Thematik des ziellosen Umherschweifens junger Leute orientiert, zeigt eine überreizte Tristesse, die alles hat und die sich ihren Kick im Ausbruch aus dem Alltäglichen sucht. Auf diese Art und Weise fruchten Spleens, Trends und Ticks wie Schimmel im Marmeladenglas. Menschen, die im Umgang mit dem jeweils anderen und in ihrem Nachwuchs scheitern, mögen zwar aggressieren und nerven, doch eine brauchbare Handlung ergibt sich daraus nicht. Pia Hierzegger, Manuel Rubey, Andreas Kiendl und Co mäandern träge durch einen unaufgeregten Alltag. Langeweile macht sich breit, schon nach wenigen Minuten. Wat hat uns bloß so ruiniert ist Mumblecore-Kino der Wiener Art, zwischen Miranda July und Noah Baumbach, nur fahler und uninteressanter. Hat Marie Kreutzer noch in Die Vaterlosen bühnenreifes Familientheater mit dramatischem Hintergrund entworfen, begnügt sie sich nun mit einer Skizze wohl eigener Beobachtungen und Erfahrungen, denen aber keine beobachtenswerte Geschichte innewohnt.

Dennoch – ihr nächster Film kommt bestimmt. Und da kann man schon gespannt sein. Denn warum nicht – einer der aufmerksamsten und engagiertesten Regisseurinnen Österreichs kann auch mal die Puste ausgehen.

Was hat uns bloss so ruiniert?

Maggie´s Plan

DER DRESSIERTE MANN

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maggiesplan

Wozu braucht Frau einen Mann? Maximal zum Kinderkriegen, aber auch hier lässt sich die Beteiligung des männlichen Geschlechts auf das Wesentliche reduzieren. Doch lässt Frau sich auf eine Beziehung ein, muss das Feuer brennen. Wenn das Feuer nicht brennt, braucht Frau keinen Mann. Ungefähr so lässt sich Rebecca Millers Uni-Romanze in wenigen Sätzen zusammenfassen. Und anfangs möchte man sogar meinen, dass Maggie´s Plan aus der Feder von Noah Baumbach, dem exzentrischen Experten für liebenswürdige Loser aller Art, entstanden ist. Dem ist aber – mitunter bedauerlicherweise – nicht so.

Regisseurin Miller, Tochter des berühmten Gegenwartsdramatiker Arthur Miller, der so sagenhafte Stücke wie Hexenjagd und Tod eines Handlungsreisenden auf ewig für die Nachwelt hinterlassen hat, erzählt die ziemlich ungekünstelte, beschwingt inszenierte Beziehungskomödie eindeutig und mit Leidenschaft aus der Sicht der ewig als Kunststudentin festgelegten Greta Gerwig, stets auffallend unattraktiv gekleidet wie derzeit Kultneurolgin Amy Farrah Fowler aus der Big Bang Theory. Ihr ist die Dreiecksdramödie auf den Leib geschrieben, und der blonde Independent-Star und Liebling von Noah Baumbach (auch diese Tatsache sorgt für Verwechslungsgefahr im Regie-Cast) erobert den Film mit Freude am Spiel und einer breiten Palette an emotionalen Hochs und Tiefs. Verantwortlich dafür ist neben Gerwigs Torschlusspanik der ehrgeizige Universitätsdozent und Möchtegern-Schriftsteller Ethan Hawke. Irgendwie unglaublich, dieser Mann wird statt älter irgendwie jünger, vor allem in diesem Film. Er verkörpert auch hier sehr souverän seine Paraderolle des Amerikaners Jesse, der seit Mitte der Neunziger mit Französin Julie Delpy die Unterschiede zwischen Mann und Frau auf wortgewaltigste und bezauberndste Art und Weise noch längst nicht ausdiskutiert hat. Und soweit ich mich erinnern kann, war er auch in Before Sunrise, Before Sunset und wie sie alle heissen ein Handwerker der schreibenden Zunft. Insofern unterscheidet sich seine Rolle vom ehrgeizigen Intellektuellen, der das Leben von Maggie auf den Kopf stellt, um eigentlich gar nichts. Dennoch wird Hawke zum Spielball zwischen den Frauen, ist er doch zuerst mal mit einer resoluten Künstlerin verheiratet (famos verkörpert von Julianne Moore), um sich dann für Maggie von ihr zu trennen. Die will ihn aber nach Jahren des Zusammenlebens selbst nicht mehr haben und gibt ihn an Moore wieder zurück. Beide Damen, so unterschiedlich sie auch sein mögen, schmieden einen Pakt, dem sich der ahnungslose und egozentrisch gewordene Hawke wie ein dressiertes Hündchen unterwirft. Kein Film also, um das Selbstbewusstsein des Mannes zu stärken. Aber auch kein Film, der die dauerhafte Zweisamkeit in Zeiten rapide wachsender, persönlicher Selbstverwirklichung schönredet. Dahin ist auch die Vorstellung der ewigen, leidenschaftlichen Liebe, dessen Realität manche immer noch für möglich halten. Letzten Endes variiert Rebecca Millers Film in ihrer Hommage an Esther Vilars Emanzipations-Weckrufen aus den 80ern auch wieder nur die ichbezogene Suche nach dem idealen Lifestyle, maßgeschneidert für den Bobo-Intellekt. Mit oder ohne Mann, oder mit einem ganz anderen Partner. Wie wär´s zum Beispiel mit Wikinger Travis Fimmel? Als Gurken verkaufender Samenspender auf dem Abstellgleis bietet er eine Ja Natürlich-Alternative, die ungenutzt zu bleiben scheint.

Maggie´s Plan ist eine gefällig erzählte Beziehungskiste auf rustikal-natürliche Art, die das männliche Geschlecht austauschbar sein lässt und auch ihre weiblichen Personen vor all den Möglichkeiten, die eine Ich-Gesellschaft bietet, ziellos bleiben lässt. Mal so, mal so. Wie man leben soll weiß man nach dem Abspann daher immer noch nicht.

 

 

 

Maggie´s Plan