Havoc (2025)

AUF KNALLERBSEN KNIEN

4/10


© 2025 Netflix Inc.


LAND / JAHR: USA, VEREINIGTES KÖNIGREICH 2025

REGIE / DREHBUCH: GARETH EVANS

CAST: TOM HARDY, TIMOTHY OLYPHANT, FOREST WHITAKER, LUIS GUZMÁN, XELIA MENDES-JONES, NARGES RASHIDI, JESSIE MEI LI, TOM WU U. A.

LÄNGE: 1 STD 45 MIN 


Tom Hardy ist längst zu Eddie Brock geworden. Marvel-Vertraute kennen ihn: Der abgehalfterte Reporter war die Symbiose mit einem Alien eingegangen, einem amorphen lakritzeartigen Wesen mit einer Kauleiste – dafür bräuchte man nie wieder zum Zahnarzt, sonorer Stimme und folgend auf den Namen Venom. Das Buddy-Team der besonderen Art hat nun ausgekapsert, zurück bleibt Tom Hardy ganz allein, und irgendwie vermisst man das klebrige Anhängsel dann doch. Manchmal scheint es so, als würde sich Gareth Evans vielleicht den Scherz erlauben, den Symbionten zumindest in einer schnell geschnittenen Cameo-Szene Revue passieren zu lassen, doch statt Witzen wie diesen hagelt es Patronen, als wären der meteorologischen Absonderlichkeiten von Frosch über Fischregen nicht schon genug.

Wer Edwards schließlich kennt, weiß, dass bei ihm allerhand Menschen ins Gras beißen, und das nicht eines natürlichen Todes, sondern niedergemäht und durchsiebt, wie man jemanden nur niedermähen und durchsieben kann. Havoc heisst das neueste Unding des Schöpfers von The Raid – einer indonesischen Einer-gegen-Alle oder – übers Knie gebrochen – Stirb langsam-Version mit Iko Uwais als Martial Arts-Polizisten, der im Alleingang einen ganzen Haufen blutrünstiger Männer zerschnetzelt. Man muss zugeben: seine beiden expliziten Action-Schlachtplatten entbehren nicht einer gewissen Faszination. Wie der Waliser die Gewalt choreographiert, ist gelernte Handarbeit. Havoc hingegen, was soviel bedeutet wie „Zerstörung“, ist eben auf Netflix erschienen und schickt den alienlosen Rabauken Hardy in den kataklystischen Projektilregen, ganz ohne Schirm, dafür munter bewaffnet und alles mögliche an Gewalt einsteckend, was den Waffenstillstand mit der Realität gefährlich auf die Probe stellt.

Selbst eine Woche nach der Sichtung lässt sich der Plot des Films nur noch rudimentär wiedergeben – viel Substanz hat das alles nicht. Evans hat das Skript zwar selbst verfasst, aber eine KI könnte das vielleicht sogar besser. Ob Tom Hardy alias Walker nun im Auftrag vom schmierigen Forest Whitaker, der Vergleiche mit Wilson Fisk aus dem Daredevil-Universum anstrebt, dessen Sohn wiederfinden muss, da dieser bis über beide Ohren im Schlamassel steckt, weil die Triaden hinter ihm her sind, ist völlig egal. Spannend wird Havoc wirklich nie, dafür aber zeichnet Evans den üppigen Moloch einer namenlosen Stadt, die fast schon an Gotham City erinnert. Die Bildsprache ist betrachtenswert, allerdings nur dann, wenn gerade nicht geschossen wird. Diese Momente sind rar, man sollte sie genießen, denn sobald das große Ballern anfängt, stellt sich Schwindel ein.

Die Action ist in Havoc ein wüstes Durcheinander: fahrig, viel zu schnell geschnitten, mit rumpelnder Kamera und einer dünnen Akustik, wenn vollautomatische Handfeuerwaffen aller Art (zusammen füllen sie diverse Kataloge aus der Rüstungsindustrie für den privaten Konsumenten) ihre nicht endenwollende Munition verschleudern und einer wie Hardy fast schon auf diesen Knallerbsen die Balance verliert, so dicht fällt der Niederschlag an Hülsen. Ballistiker kratzen sich womöglich angesichts dieser Physik die Augen aus, und man selbst als Laie, der gerade mal weiß, worum es sich bei einer AK-47 handelt, flattern bei der Schießbuden-Hölle gelegentlich die Augenlider, wenn es wieder mal nicht schnell genug gehen kann, bis einer stirbt.

Hardy ist als Action-Zampano sicherlich eine Nummer für sich, auch wenn nicht viel aus seinem Charakter zu lesen ist. Der übrige Streifen brennt sich mit seinem gleißenden Mündungsfeuer in die Netzhaut, der Rest fällt dem Vergessen anheim. Ein Mehrwert, sollte man sich später noch erinnern, bleibt aber sowieso keiner.

Havoc (2025)

Mission: Impossible – The Final Reckoning (2025)

WIE MAN EINE KI FÄNGT

7/10


© 2025 Paramount Pictures


LAND / JAHR: USA 2025

REGIE: CHRISTOPHER MCQUARRIE

DREHBUCH: CHRISTOPHER MCQUARRIE, ERIK JENDRESEN

CAST: TOM CRUISE, HAYLEY ATWELL, SIMON PEGG, VING RHAMES, ESAI MORALES, POM KLEMENTIEFF, GREG TARZAN DAVIS, HENRY CZERNY, ROLF SAXON, SHEA WIGHAM, ANGELA BASSETT, MARIELA GARRIGA, MARK GATISS U. A.

LÄNGE: 2 STD 50 MIN


Was hat er denn diesmal wieder angestellt, dieser ewig junge Sunnyboy, der bereits mehr als sechzig Lenze zählt? Tom Cruise scheint wie in Edge of Tomorrow tatsächlich in einer Zeitschleife festzustecken, in welcher er jedes Mal einen neuen Mission: Impossible-Film mitgestalten und produzieren muss. Zum Glück übernimmt die Regie Christopher McQuarrie, der das Franchise längst im Blut hat und selbst im Halbschlaf das Go für den Sprint seines Stars quer durch London erschallen lassen kann. Dieser Sonnyboy, der fährt diesmal nicht mit einem Motorrad über die Klippe. Diesmal hängt er an einem Vintage-Doppeldecker fest, während ihm der Fahrtwind die Wangen massiert und das freche längere Haar nach hinten wehen lässt.

Man sieht auch im Film, dass Tom Cruise unmöglich nur getan hat, als würde er an einem Flugzeug hängen. Die Anstrengung steht ihm ins Gesicht geschrieben, und nicht nur einmal hat ihn dieser Stunt so viel abverlangt, dass er vom Set getragen werden musste. Mit dieser minutenlangen Verfolgungsjagd in den Lüften und knapp über dem Gelände eines wilden Südafrikas hechelt und hechtet das Grande Finale der Mission: Impossible-Reihe – und zwar The Final Reckoning – seiner Superlative entgegen, dem Nonplusultra eines schwindelerregenden Stunt-Zirkus, um welchen das ganze narrative Konstrukt des letzten Teils herumgebastelt wurde. Dabei hat McQuarrie, der auch am Drehbuch mitschrieb, nicht vergessen, dass es auch inhaltlich ein „rien ne va plus“ geben muss, einen absoluten Peak, den Achttausender, den Everest aller kniffligen Lagen, aus denen Ethan Hunt und sein Team (stets mit dabei: Ving Rhames und Simon Pegg, zwei Tausendsassa) jemals herauskommen mussten.

Obwohl die Doppeldecker-Szene die sogenannte Mitternachtseinlage des Films sein soll, gibt der Tauchgang im Polarmeer noch viel mehr her als eine traditionell-analoge Flugshow. Das Kapitel um ein versenktes U-Boot, dessen Inhalt das Schicksal der Welt entscheidet, ist das eigentliche Herzstück, denn weder davor noch danach ist Mission: Impossible – The Final Reckoning jemals besser. Wir haben also das Eiswasser und den Himmel über Afrika, rundherum türmt sich eine haarsträubende Bedrohung wie Gottes Sintflut über allem auf, was auf zwei Beinen läuft. Und was würde sich für diese nicht besser anbieten als eine wahnsinnig gewordene künstliche Intelligenz, die die Menschheit vom Planeten tilgen will, um einen Reboot einzuläuten. Das darf natürlich nicht passieren, und wenn wir uns an Mission: Impossible – Dead Reckoning erinnern, hat dort auch alles angefangen. Erinnern wir uns nicht, erhält der Spaß am Film dadurch kein Defizit. Cruise und McQuarrie haben ihren Schlussakkord so konstruiert, dass es wenig Vorwissen braucht, um einer leider sehr austauschbaren Geschichte zu folgen, die in haarsträubender Überdimensionierung einer Gefahr den James Bond-Eskapaden aus der Ära des Kalten Krieges fast schon das Wasser reichen kann.

Kann es denn wirklich so weit kommen, dass eine KI den ganzen Cyberspace infiltriert, um alles, was irgendwo in einem Netzwerk hängt, irgendwann selbst zu steuern? James Cameron bekommt angesichts dessen seinen nächsten Albtraum, und Skynet feuchte Augen, wenn es denn welche hätte. In diesem absoluten Bedrohungsszenario, in welchem die USA wieder im Zentrum steht, diesmal aber eine integre Angela Bassett anstelle einer jähzornigen Orange auf besagten Knopf drücken muss, ist Ethan Hunt der Auserwählte, der Weltenretter schlechthin – Tom Cruise eben, der glaubt und hofft, auch das Kino zu retten. Unter dieser bibbernden Last der Verantwortung und mit einem Blick zurück auf sieben vorangegangene Teile, angesichts dieser, wie „Luther“ Ving Rahmes beteuert, niemand etwas bereuen muss, zerstört sich das Pathos eines Agentengottes nach fünf Sekunden leider nicht selbst. Andererseits: Kenner der Reihe sind gewohnt und wissen, was auf sie zukommt. Die gleiche Rezeptur wie sonst auch, zwischen Tarnen, Täuschen, Masken und Munition geht es irgendwann nur noch um einen Wimpernschlag, der alles entscheidet. Ganze Sekunden der Entscheidung sind da fast schon gähnend langweilig.

Mission: Impossible – Dead Reckoning – das muss man zugeben – ist deutlich raffinierter und knackiger als der Alles-in-einem-Topf-Wurf des Grande Finales, bei dem alles, was noch in den Schubladen geblieben war, mit verarbeitet werden konnte. Eine Schwäche, die nicht nur dieses Franchise spürt. Der siebte Teil musste auch noch nicht der Ambition folgen, alle vorangegangenen Teile in einem Licht dastehen zu lassen, als wären sie nur das Vorspiel des einzigen letzten großen Films gewesen. Ein Kniff, der nicht funktioniert, und bei dem man merkt, dass der rote Faden erst im Nachhinein eingeflochten wurde.

Doch wie man die Mission: Impossible-Reihe auch dreht und wendet: In solch einem Handwerk analoger Agenten-Action wummert Aufwand, Anstrengung und Ambition. Und die unbändige Lust, etwas zu beweisen. Tom Cruise hat es schon wieder getan, und er wird, was man so liest, nicht müde werden.

Mission: Impossible – The Final Reckoning (2025)

Thunderbolts* (2025)

HELDEN-RECYCLING FÜR KENNER

6/10


© 2025 MARVEL. All Rights Reserved.


LAND / JAHR: USA 2025

REGIE: JAKE SCHREIER

DREHBUCH: ERIC PEARSON, JOANNA CALO

CAST: FLORENCE PUGH, LEWIS PULLMAN, DAVID HARBOUR, SEBASTIAN STAN, WYATT RUSSELL, HANNAH JOHN-KAMEN, JULIA LOUIS-DREYFUS, GERALDINE VISWANATHAN, OLGA KURYLENKO, WENDELL PIERCE, CHRIS BAUER, VIOLET MCGRAW U. A.

LÄNGE: 2 STD 7 MIN


Der unscheinbare Typ im Pyjama, gespielt von Lewis Pullman (Salem’s Lot) wird auch bis zum Ende des neuen MCU-Blockbusters Thunderbolts* die skurrilste und ambivalenteste Figur bleiben, von welcher man einfach nicht weiß, was man von ihr zu halten hat. Zu Beginn, wenn all die Austauschbaren im Super-Sicherheits-Bunker der CIA aufeinander losgehen, und Pullman plötzlich danebensteht, als wäre er im falschen Film, eröffnet Jake Schreier (u. a. Robot & Frank) das Spielfeld für einen aus der bisherigen MCU-Timeline zusammengeklaubten Haufen mehr oder weniger ausrangierter Nebenhelden, die nie das große Los ziehen konnten wie seinerzeit die federführenden Avengers und beim Publikum einiges an Vorwissen fordern. Es sind dies Black Widows Schwester Yelena (Florence Pugh), die seit nämlichem Stand-Alone mit Scarlett Johannsson aka Natasha Romanov  bekannt ist und später auch – für Serienkenner – in Hawkeye hat mitmischen dürfen. Es ist dies der Captain America aus der zweiten Reihe, John Walker (Wyatt Russell), in der Serie The Falcon and the Winter Soldier so ziemlich in Ungnade gefallen und seitdem als Billigversion eines Supersoldaten im Auftrag der CIA unterwegs, wie ohnehin überhaupt alle hier. Auch die aus Ant-Man and the Wasp bekannte Ghost und der Taskmaster (ebenfalls Black Widow), gespielt von Olga Kurylenko. Nicht im Bunker sind Bucky Barnes (Sebastian Stan), der ehemalige Winter Soldier, über welchen man irgendwann sicher gestolpert sein muss, auch wenn man nicht alle Filme und Serien von Marvel gesehen hat. Und die von David Harbour genussvoll und mit Inbrunst verkörperte russische Superheldenparodie Red Guardian, Ziehpapa der Widows und stets mit der Tür ins Haus fallend. Die meisten Lacher in diesem Film gehen auf sein Konto, und ja – würde das Suicide Squad jemanden abwerben wollen, der zu ihrem durchgeknallten Haufen passt, dann wäre es er. Die andern müssen sich in schaumgebremstem Sarkasmus aufeinander einlassen, wenn sie für die durchtriebene CIA-Chefin Valentina (auch bekannt aus der Marvel Serie rund um Sam Wilson, dem neuen Captain) nicht doch noch über die Klinge springen sollen. Dabei vergessen alle wohl auf diesen seltsamen Robert Reynolds, der eigentlich hätte entsorgt werden müssen, so wie all die anderen Thunderbolts, die höchst illegal vom Geheimdienst an die Front geschickt wurden. Reynolds aber ist mehr als die Summe seiner Teile. Ein Psychopath zwar, aber eine potenzielle Chance für die geschäftstüchtige, dauergrinsende Valentina. Wenn schon nicht entsorgt, dann zumindest recycelt – als jemand, der an den guten alten Homelander erinnert, der den Boys das Leben schon mehrere Staffeln lang schwermacht.

Es tut sich einiges bei den Thunderbolts*, das Wiedersehen mit alten Bekannten ist für eingefleischte Marvel-Fans natürlich ein Who is Who sondergleichen. Sie alle haben ihre Rollen längst gelernt, da muss nicht viel Neues erprobt werden. Vielleicht ist das auch der Grund, warum die Gruppendynamik nicht so recht zünden will, warum man den Eindruck gewinnt, dass von vornherein, seit der ersten Sekunde, das Team bereits steht, insofern ist der verbale Schlagabtausch zwischen den Protagonisten mehr ein So-tun-als-ob anstatt wirklich empfunden. Ein bisschen fehlt da die Schärfe bei all den Beteiligten, vor allem Bucky Barnes scheint nie so recht zu wissen, ob er das, was er da macht, auch wirklich aus voller Überzeugung tut.

Der metaphysische Plot, der sich um die Plan-B-Truppe schlängelt, führt diese ohne Umschweife in ihr Abenteuer hinein, ohne eine gewisse Dramatik zu entfachen, die sich in manchen Filmen der Infinity-Phase so sehr an die Persönlichkeiten der Helden herangemacht hat. Hier taucht Schreier zwar auch in so manche Psyche ein – dass diese die eigentlich ambivalenten Charaktere wirklich berührt, bleibt eine Behauptung.

So richtig interessant wird es ganz am Ende – dieses und die darauffolgende Post-Credit-Szene (die zweite, wohlgemerkt – also sitzenbleiben!) bringen den nicht mehr als soliden Superheldenfilm dann doch noch eine Spur mehr auf Vordermann. Thunderbolts* legt den Grundstein für noch viel mehr, für eine vielleicht bessere MCU-Phase als die letzte, die sich mit ihrem Multiversum deutlich verhoben hat. Obwohl der Film nun nicht den Wow-Effekt erzielt, auf den ich gewartet hätte: Der kommende Output, der hier aufbaut, könnte nach längerer Zeit wieder mal so richtig spannend werden.

Thunderbolts* (2025)

The Accountant 2 (2025)

NUR BRÜDER GEBEN FEUERSCHUTZ

7/10


© 2025 Amazon Content Services LLC


LAND / JAHR: USA 2025

REGIE: GAVIN O’CONNOR

DREHBUCH: BILL DUBUQUE

CAST: BEN AFFLECK, JON BERNTHAL, CYNTHIA ADDAI-ROBINSON, DANIELLA PINEDA, J. K. SIMMONS, ALLISON ROBERTSON, ROBERT MORGAN, GRAN HARVEY, ANDREW HOWARD U. A.

LÄNGE: 2 STD 13 MIN


Ich bleibe dabei, und ja, ich weiß, da gehen die Meinungen auseinander, aber: Ben Affleck ist für mich nach wie vor und im überstilisierten Dunstkreis eines Zac Snyder’schen DC-Universums „der“ Batman schlechthin. Muskelbepackt, stiernackig, arrogant, aber auch idealistisch. Nicht unbedingt ein Held zum Gernhaben, aber einer, dem man dann doch die Zügel in die Hand drücken würde, wenn es heisst, den Karren aus dem Dreck zu dirigieren. Die stählerne Rüstung, mit welcher er Superman bekämpft, mag ein bisschen den Charme der Lego-Filme bedienen, nichtsdestotrotz hat der Best Buddy von Matt Damon eine gute Figur gemacht. In anderen Filmwerken mag man ihm vielleicht ausgelebte Langeweile hinsichtlich seiner zu verkörpernden Rollen diagnostizieren – in ganz wenigen aber hat der selbstverliebte Geck so einiges drauf.

Wie zum Beispiel als Accountant Christian Wolff, der die mimischen Defizite des Stars damit erklären kann, unter einer nicht näher definierten Form von Autismus zu leiden, unter welcher soziale Interaktion wie wir sie kennen bisweilen zu leiden hat. Auch das Emotionale ist nicht so Ben Afflecks alias Christian Wolffs Ding – womit sich der Knabe aber bestens auskennt, das ist Mathematik und das Erkennen von Zusammenhängen inmitten eines diffusen Durcheinanders, angesichts dessen allen anderen Ermittlern die Köpfe rauchen. Mit so einem Fall wurde Afflecks Figur schon 2016 betraut – damals musste er mit Buchhalter-Kollegin Anna Kendrick einer breit angelegten Veruntreuung auf die Schliche kommen. Dabei kam ihm sein eigen Fleisch und Blut in die Quere – der zum Profikiller ausgebildete Jon Bernthal. Dass sich letztlich beide zusammenraufen, um gemeinsam gegen das Unrecht vorzugehen, und zwar recht akkurat, hemdsärmelig und ohne Gewissensbisse – diese Tatsache bildet den Grundstein für eben erst im Kino erschienenen zweiten Teil – neun Jahre also nach dem nicht nur von Kritikern positiv abgenickten Original.

Diesmal mischt auch wieder J. K. Simmons als pensionierter Finanzpolizist mit, der in seiner Freizeit immer noch gerne ungelösten Fällen nachhängt. Sich dabei aber mit dem Verschwinden von Menschen zu befassen, kostet ihm letztlich das Leben, jedoch nicht ohne vorher eine Nachricht zu hinterlassen, die besagt, dass Nachfolgerin Marydith Medina (die wir auch aus dem Original kennen) unbedingt jenen Zahlenjongleur ausfindig machen soll, der damals John Lithgows großes Geheimnis gelüftet hat. Medina wird ihn finden, zum Glück zeigt sich dieser auch bereit, auf seine weltfremde und nüchterne Art der Sache nachzugehen. Als die Sache aber richtig brenzlig wird, kommt Jon Bernthal ins Spiel. Und mit ihm das Motiv der launigen Actionkomödie, welche die energetischen Dynamiken des Buddy-Films für sich und das ganze unterhaltende Publikum neu entdeckt.

Dabei ist The Accountant 2 kein Schenkelklopfer, der sich selbst parodiert. Über den Ernst der Lage in diesem Film macht sich keiner lustig. Stereotypen, sofern es welche gäbe, werden ebenfalls nicht durch den Kakao gezogen. Die Situationskomik entsteht dabei nicht dadurch, indem sie die Erzählform ins Lächerliche verzerrt, sondern den richtigen Moment erwischt. Das liegt vorallem auch an Jon Bernthals schnoddrige Scheiß Drauf-Attitüde, die der Mann so treffsicher im Schlaf beherrscht, dass Ben Affleck gar nicht mehr viel tun muss, um als autistischer Rationalist, der über den Schatten sozialer Unzulänglichkeiten springt, als idealer Konterpart zu funktionieren. Wie in einer verspäteten Screwball-Comedy werfen sich beide die Wortbälle zu, dass es eine Freude ist, wobei man selbst dann nicht darauf vergisst, warum es eigentlich geht und wohin die investigativen Recherchen letztlich führen sollen. Irgendwann gibt es dann auch Action, wie man sie schon oft gesehen hat – in diesem Kontext aber ist sie nur erfüllendes Beiwerk, während die kernige Tragikomödie zweier ungleicher Brüder die eigentliche Identität des Films darstellt. Gavin O’Connor gelingt ein überraschend sehenswerter kleiner Knüller, der Bewährtes vergnüglich auffrischt und im Vergleich zum Vorgänger mehr die Alltagstauglichkeit von zwei Actionhelden erprobt als die kriminalistische Analyse eines Sonderlings zu liefern.

Das weckt eine ungeahnte Dynamik, auch im Hinblick auf die im Hintergrund agierenden juvenilen Superhirne, die den waffen- und lichtschwertschwingenden Spezialisten ähnlich supporten wie jene, die Tom Cruise alias Ethan Hunt stets den Rücken freihalten. Da dieser bald sein Finale feiert, könnten Affleck und Bernthal gerne mit einer dritten Mission liebäugeln. Beide Charaktere sind etabliert, abgesteckt und in ihren USPs erfasst – Zeit für neue Abenteuer!

The Accountant 2 (2025)

A Working Man (2025)

SELFMAN MIT VORSCHLAGHAMMER

4/10


© 2025 Amazon Content Services LLC.


LAND / JAHR: USA, VEREINIGTES KÖNIGREICH 2025

REGIE: DAVID AYER

DREHBUCH: DAVID AYER, SYLVESTER STALLONE

CAST: JASON STATHAM, ARIANNA RIVAS, JASON FLEMYNG, DAVID HARBOUR, MICHAEL PEÑA, NOEMI GONZALES, EMMETT J. SCANLAN, EVE MAURO, MERAB NINIDZE U. A.

LÄNGE: 1 STD 57 MIN


Was tun bei scheiternden Gewerkschaftsverhandlungen? Der ÖGB schickt jemanden wie Jason Statham an die Front, denn der wird reinen Tisch machen. Schließlich ist Statham einer von denen, die am Bau die Drecksarbeit machen, die hart mit anpacken, die sich auf Augenhöhe motivierend zunicken und dann schwitzend, verdreckt und müde von einem langen Tag vor langsam sinkendem Gestirn die 0,5l-Flasche Bier köpfen, sich dabei zuprosten und das pathetische Ideal eines Hoch- und Tiefbau-Commercials leben. Sieht man aber genauer hin, ist diese gnadenlos austauschbare Figur des Levon Cade ganz und gar nicht einer, der sich für eine Arbeit wie diese qualifiziert sieht. Er weiß, dass er mehr kann als alle anderen. Er weiß, dass er über dem einfachen Volk steht, weil er jeden, der ihm auch nur ansatzweise blöd kommt, zu Kleinholz verarbeiten könnte. Levon Cade weiß, dass er ein Held ist. Ein starker Mann, frei von störenden Emotionen, frei von Selbstzweifel: straight, hart und gerecht.

Wenn einer wie Statham sein Können nicht dafür nutzt, um Macht auszuüben und andere zu unterdrücken, liegt diese wohl in den richtigen Händen. Wie bei Superman, Batman oder Daredevil auch. Doch Stathams Figuren – oder sagen wir: die eine Universal-Figur, die er in jedem seiner Filme anwendet – verankert seine Skills in einer realen Alternativwelt, in der jene, die sich für das Gute einsetzen, immer gewinnen. Das ist es, was die Zielgruppe sehen will. Steht Statham drauf, ist Statham drin. Hat einer wie Sylvester Stallone am Drehbuch mitgeschrieben, ist die Idee eines Rambo nicht weit, die als Blaupause für alles steht, was Statham je verkörpert hat. Er ist der über Leichen gehende Berserker in einer einfachen, schwarzweiß gestrickten Welt, wo die Bösen wirklich Böse sind und die Guten so schwach, dass sie die Hilfe eines einzelnen erbeten, der niemals auch nur in die Nähe eines Krankenhauses gerät, weil er niemals auch nur mehr als einen Kratzer davonträgt, den man mit Hansaplast überkleben könnte.

So behelfen sich Jason Statham-Filme oft des gleichen Grundmusters, das in leichten Farbvariationen immer die gleiche Geschichte erzählt. Der nach außen hin scheinende einfache Mann trägt das Geheimnis mit sich herum, in Wahrheit eine Kampfmaschine zu sein, die diesem alten Leben den Rücken kehrt. Stets wird der, der die Gewalt ausübt, dazu genötigt, dies zu tun. Es ist schließlich für das Allgemeinwohl, für das Leben der anderen, nie für den Selbstzweck. So einfach macht es sich das amerikanische Actionkino, und wie die Besucherzahlen zeigen, ist diese Mechanik, obwohl bis zur Geschmacksneutralität ausgelutscht, immer wieder eine sichere Bank, die mit unangenehmen Überraschungen im Handlungsablauf hinter dem Berg hält.

David Ayer lässt sich immer wieder für Projekte wie diese gewinnen. So auch für A Working Man, wobei es wesentlich interessanter gewesen wäre, wenn dieser kolportierte Steuerzahler aus der Arbeiterklasse auch wirklich nur das gewesen wäre: einer, der Ziegel schleppen, Zement anmischen und Baugerüste verschweißen kann, und nicht einer, der obendrein noch Martial Arts beherrscht und im Alleingang ganze Heerscharen an bösen Stümpern tötet. Als Ex-Royal-Marine, der ein neues Leben angefangen hat, muss er hier die Tochter seines Baumeisters aus den Händen von Menschenhändlern befreien. Dass ihm dies gelingt, ist kein Spoiler, sondern bereits in den ersten Minuten eine zweifelsfrei klar eingeschlagene Richtung. Mehr braucht man über den Plot gar nicht zu berichten, denn wirklich mehr gibt es auch nicht. Dass Levon Cade mit dem Attribut eines alleinerziehenden Witwers auch noch Familiengefühle weckt, ist zuviel der Ambitionen.

Hat Statham unter der Regie eines Guy Ritchie doch mehr charakterliche Facetten als in anderen Filmen, mangelt es ihm in A Working Man akut an Persönlichkeit. Nach Schema F prügelt und killt er sich bis in die obersten Kreise eines Syndikats. Da man ohnehin weiß, dass dem Helden nichts passiert, und Stallone die banalste aller Ordnungen verfechtet, wird der leb- und lieblose Reißer zu einem Stück bärbeißiger Langeweile ganz ohne Schutzhelm und Zollstock, dafür mit Stereotypie und Genre-Klischees. Und einer nervtötenden Dosis selbstgefälligem Beschützerinstinkt.

A Working Man (2025)

Love Hurts – Liebe tut weh (2025)

HICKHACK AM VALENTINSTAG

5/10


© 2025 Universal Studios. All Rights Reserved.


LAND / JAHR: USA 2025

REGIE: JONATHAN EUSEBIO

DREHBUCH: MATTHEW MURRAY, JOSH STODDARD, LUKE PASSMORE

CAST: KE HUY QUAN, ARIANA DEBOSE, SEAN ASTIN, DANIEL WU, MUSTAFA SHAKIR, LIO TIPTON, CAM GIGANDET, MARSHAWN LYNCH U. A.

LÄNGE: 1 STD 23 MIN


Das hätte er wohl selbst nie gedacht, einmal dort zu stehen, wo das übrige Hollywood ihm zu Füßen liegt. In den heiligen Show-Hallen der Oscar-Verleihung, eine kiloschwere Goldstatuette fest in den Händen haltend, während er womöglich Steven Spielberg eine Kusshand sendet – denn der hat den damaligen Dreikäsehoch für sein zweites Indy-Abenteuer Indiana Jones und der Tempel des Todes schließlich auch entdeckt. Als Shortround oder Shorty, wie sich der motivierte Knabe in der deutschsprachigen Synchro rufen lässt, unterstützt er Harrison Ford im Kampf gegen eine finstere hinduistische Sekte und sichert sich damit für ewig seinen Platz in der Popkultur. Dass sich einer dann so lange in der Branche halten kann, ohne regelmäßige Leinwandpräsenz zu absolvieren, muss ebenfalls gekonnt sein. Schön im Hintergrund hat Ke Huy Quan agiert, und zwar so lange, bis die beiden Daniels – Kwan und Scheinert – mit ihrem Multiversum-Wahnsinn Everything Everywhere All at Once den schmalschultrigen, zarten Amerikaner vietnamesischer Herkunft den Himmel auf Erden bescheren. Von da an ist Quan immer wieder mal zu sehen, in Marvel-Serien genauso wie zuletzt in der Stalenhåg-Verfilmung The Electric State. Doch abgesehen von Nebenrollen – gibt’s da sonst noch was? In der Tat, das gibt es, und zwar relativ brandneu: Love Hurts. Mit diesem Star-Vehikel, wenn ich es mal so nennen darf, etabliert der Oscarpreisträger mit der Brille seine Tauglichkeit als Zugpferd für einen ganzen Film. Wem er dabei ähnlich sieht? Dreimal dürft ihr raten.

Während sich schließlich das Energiebündel namens Jackie Chan dem Karate Kid-Franchise die Handkante gibt, kann dieser auch nicht überall zur gleichen Zeit Filme machen, die ihm rollentechnisch wie angegossen passen würden, für die der mittlerweile Siebzigjährige vielleicht aber auch schon mehr Verschnaufpausen benötigt als bisher. Ersetzen könnte ihn dabei Ke Huy Quan, dieser teilt in Love Hurts ordentlich aus und gibt den Flummy mit versteckter Vergangenheit. Anfangs jedoch lässt beim Anblick dieses biederen, braven Grundstücksmakler nichts darauf schließen, dass dieser weiß, wie man austeilt. Das ruhige Leben ist zwar langweilig, aber geordnet. Diese Ordnung weicht bald einer gewissen Unterwelt-Anarchie, als ganz plötzlich Marvins Ex-Kollegin Rose (Adriana deBose) aufkreuzt und den pensionierten Auftragskiller darum bittet, sie bei ihrem Racheplan gegen ihren ehemaligen Gangsterboss, der zufällig Marvins Bruder ist, zu unterstützen. Rose sollte eigentlich gar nicht mehr am Leben sein, doch Marvin, der sie damals auf der Abschussliste hatte, musste aus Liebe zu ihr ein Auge zudrücken.

Man sieht schon: der angerissene Plot oder sagen wir die Ausgangssituation der kleinen, knappen Actionkomödie erzählt wahrlich nichts Neues. Ex-Killer und Kampf-Virtuosen, die sich ihrer Vergangenheit stellen müssen, gibt es wie Sand am Meer, diese Filme lassen sich sowieso kaum mehr voneinander unterscheiden. Es ist ein austauschbares Subgenre geworden, in welchem schon seit geraumer Zeit kein Skriptschreiber oder Regisseur es wagt, die Perspektive zu wechseln oder gar Genre-Versatzstücke auszutauschen. Und wenn, dann ist da irgendwie der Wurm drin und will nicht so recht funktionieren – für die letztlich schale Story von Love Hurts mussten gleich drei Schreiberlinge Hand anlegen. Kein gutes Zeichen.

Dass Ke Huy Quan auf Adriana DeBose abfährt und umgekehrt, kann Regisseur Jonathan Eusebio nicht plausibel darstellen, dass ersterer aber anderen Mordskerlen zeigt, wo die Kampfakrobatik zuhause ist, allerdings schon. Da aber Love Hurts darauf ausgerichtet ist, im Wesentlichen eine schlagkräftige Romanze zu erzählen, deren Beweggründe eigentlich aber niemanden sonderlich interessieren oder noch während des Films in Erinnerung bleiben, fehlt hier die Substanz für so ziemlich alles. Ke Huy Quan aber freut sich, seinen ersten eigenen Film zu rocken. Die Glückseligkeit des Schauspielers motiviert ihn genug, das Beste aus dieser austauschbaren Dutzendware herauszuholen, die ihre Hoffnung vergeblich in schrägen Nebenrollen sucht. Dabei lässt sich wiedermal feststellen, dass Mustafa Shakir und Lio Tipton (u. a. The Big Bang Theory) das weitaus spannendere Duo gewesen wären, womit wir Quan wieder zur Nebenrolle degradieren müssten. Das aber würde ich ihm nicht antun wollen.

Love Hurts – Liebe tut weh (2025)

Mr. No Pain (2025)

DIE WANDELNDE SCHMERZTABLETTE

7/10


© 2025 Constantin Filmverleih


ORIGINALTITEL: NOVOCAINE

LAND / JAHR: USA 2025

REGIE: DAN BERK, ROBERT OLSEN

DREHBUCH: LARS JACOBSON

CAST: JACK QUAID, AMBER MIDTHUNDER, RAY NICHOLSON, MATT WALSH, JACOB BATALON, BETTY GABRIEL, DOMINIQUE MAHER, EVAN HENGST, CONRAD KEMP U. A.

LÄNGE: 1 STD 50 MIN


So geht man den Weg zu nächsten Wurzelbehandlung in einer Entspanntheit, die fast schon an Todesmut grenzt: Jack Quaid, der junge Mann von nebenan, der als fixes Mitglied der Boys auch der einzige ist, der weder Superheldenserum geschluckt hat noch sonst mit gedrilltem Body dem psychopathischen Homelander das Wilde herunterräumt, hat als schmerzbefreiter Außenseiter nun die Chance, auf der großen Leinwand als eine andere Art Superheld zu reüssieren. Dieses Miss- oder Nichtempfinden von Schmerz, auch genannt Analgie, ist jedoch eine Angelegenheit, die bei Unachtsamkeit tödlich endet. Nicht umsonst schlürft Quaids Figur des Nathan Caine (man beachte das Wortspiel im Original: Novocaine) ausschließlich Shakes, jedenfalls keine feste Nahrung, da die Gefahr bestünde, er könnte sich in die Zunge beißen und dabei verbluten. Nathan ist durch sein besonderes Handicap einer, der sowieso zurückgezogen lebt und das Risiko wo es nur geht minimiert. Bis er auf Arbeitskollegin Sherry (Amber Midthunder, Prey) trifft. Zwischen beiden entspinnt sich eine Romanze, die abrupt endet, als Nathans Frau der Träume bei einem Bankraub als Geisel herhalten muss und entführt wird. Alle Gefahr in den Wind geschlagen, macht sich der sympathische Kerl auf in den Kampf, um Sherry zurückzuholen. Dieser Kampf, den wird Nathan nicht ohne Blessuren überstehen – dabei ist der Begriff viel zu untertrieben. Einer, der Schmerz empfindet, hat üblicherweise noch die Angst mit im Gepäck, selbigen zu erfahren. Nathan hat das nicht. Und gibt daher auf plausible Weise den zähen Berserker, der neben seinem eigenen Körper steht.

Man könnte meinen, Mr. No Pain wäre einer dieser Filme, in dem ein sogenannter Nobody völlig über sich selbst hinauswächst, sich dabei die besten Fight Skills antrainiert und den bösen Buben völlig unglaubwürdig die Gerechtigkeit reinwürgt. Die Filmemacher Dan Berk und Robert Olsen, die bislang mit versteckter Thrillerware die Filmwelt nur peripher bereichert haben, gehen mit sympathischem Nerd-Witz der Frage nach, woran es vielleicht liegen mag, das moralisch integre Protagonisten in Actionfilmen das Stehaufmännchen proben. Vielleicht ist es der fehlende Schmerz, der gleichzeitig auch die Angst nimmt, welchen empfinden zu müssen, wenn zum Beispiel das Messer im Handrücken steckt oder die Fingernägel die Flucht nach vorne ergreifen.

Selten war pure Gewalt so witzig, es ist, als würde man selbst im Kontext dieser völligen draufgängerischen Risikobereitschaft von Jack Quaid visuelle Gewalt auch anders empfinden, nämlich harmloser, gesellschaftsfähiger, irrealer. Mr. No Pain macht so einiges mit der eigenen Wahrnehmung, wenn der Zweck, den Gewalt schließlich herbeiführen soll, nicht erfüllt wird. Expliziten Darstellungen, die an die Physis unserer Filmfigur gehen, begegnet man deutlich gelassener, wobei man selbst das eine oder andere mal mit einem Grinsen im Gesicht aufjault. Das hat dann weniger etwas mit Abstumpfung zu tun sondern mit der im Film überstilisierten Toleranz von Schmerz.

Jack Quaid spürt also gar nichts, muss aber vorsichtig sein, nicht unbemerkt das Zeitliche zu segnen. Im Rahmen dieses Parcours, der den Körper des einnehmenden Schwiegersohn-Normalo so sehr zerstören wird, das er sich selbst nicht mehr aufrecht halten wird können, hält die Actionkomödie auch dramaturgisch, was sie verspricht. Ein Konstrukt, fast schon so wie aus den Achtzigern. Konventionell, aber straff erzählt, mit naivem Temperament. Nicht gerade tiefsinnig, dafür aber auf höchstem Niveau verletzungsgefährdend. Ein bisschen „Sympathy Pain“ ist dabei garantiert.

Mr. No Pain (2025)

Criminal Squad 2 (2025)

ÜBER DEN DÄCHERN VON… NIZZA?

6/10


© 2024 Constantin Film Verleih GmbH / Rico Torres


ORIGINALTITEL: DEN OF THIEVES 2: PANTERA

LAND / JAHR: USA 2025

REGIE / DREHBUCH: CHRISTIAN GUDEGAST

CAST: GERARD BUTLER, O’SHEA JACKSON JR., MEADOW WILLIAMS, JORDAN BRIDGES, EVIN AHMAD, SWEN TEMMEL, MICHAEL BISPING, SALVATORE ESPOSITO, ORLI SHUKA U. A.

LÄNGE: 2 STD 10 MIN


Das Genre des Buddy-Actionfilms hat einen langen Atem – derzeit mischen immer noch Martin Lawrence und Will Smith die Szene auf, früher waren das mal Eddie Murphy und Nick Nolte oder Mel Gibson und Danny Glover. Christian Gudegast gestaltet seinen abenteuerlichen Eventkrimi allerdings anders. Bei ihm sind es ein abgehalfterter Bulle wie er abgehalfterter nicht sein kann – und ein Gauner, der sich seit dem ersten Zusammentreffen in Criminal Squad 2018 wohl nicht oft hat bitten lassen müssen, diversen Genüssen zu frönen. O’Shea Jackson ist mittlerweile ein formatfüllender Brummbär mit Goldkette und Sonnenbrille, man möchte meinen, man hätte es mit einem arroganten Unsympathler zu tun, der sich später aber liebgewinnen lässt, weil er keinen Brutalo darstellt, sondern nur einen talentierten Gentleman, der bei Danny Ocean mitmischen könnte und der weiß, wie man wo an die große Beute gelangt. In Criminal Squad hat sich Gerard Butler dabei die Zähne ausgebissen. Big Nick, der verwahrloste Anti-Cop mit dem ungepflegten Äußeren, der gerne unschön wird, hat sieben Jahre später die Suche nach seiner Nemesis immer noch nicht aufgegeben. Dafür aber alles, was im Privaten Bestand haben sollte, verloren. So uferlos und haltlos der Mann auch sein mag, es reicht immer noch für den Ehrgeiz, den offenen Fall zu Ende zu bringen. Er erfährt, dass dieser Donnie an einem Coup in Antwerpen dabei war, bei welchem ein teurer Klunker aus einem Privatjet gestohlen wurden. Ein so ein fettes Steinchen gehört eigentlich der sardischen Mafia – wie sich später herausstellen wird, war das keine gute Idee, sich gerade diesen wertvollen Gegenstand im Zuge eines martialischen Täuschungsmanövers unter der Nagel zu reißen.

Alles trifft sich letztlich in Nizza – oder in einer Stadt, die im Film vorgibt, Nizza zu sein. Man weiß doch: diese Stadt an der Cote D’Azur hat Glamour und Charisma, die Reichen und Schönen treffen sich dort genauso wie in Cannes oder Monaco. In Criminal Squad ist Nizza aber eine auf mediterranen Karsthügeln errichtete Ansiedlung von schlichten Gebäuden, denen das gewisse Etwas fehlt – vom schmucken Boulevard am Meer, das man ohnehin nie sieht, ganz zu schweigen. Dieser generische Ort also beherbergt eines der wohl – zumindest laut Film – am besten bewachten Gebäuden in Europa. Auch das ist lachhaft, wenn man Filme wie Mission: Impossible kennt. Ein paar Monitore, ein paar Überwachungskameras und eine Handvoll Belegschaft, die lieber das Darby guckt als ihrem Job nachzugehen, entspricht jedem größeren Bankeninstitut. Es reicht aber für Christian Gudegast, O’Shea Jackson und Gerard Butler einzuschleusen, denn letzterer hat zwar den Most Wanted Man gefunden, will aber mit ihm und seinen Oceans Five gemeinsame Sache machen. Die werden angeführt von einer äußerst charismatischen Schauspielerin, nämlich der Schwedin Evin Ahmad – ein Casting-Schachzug, der sich bezahlt macht. Und selbst in Ahmads Gegenwart wird der grobschlächtige Butler dann doch noch ein bisschen wie ein kleiner James Bond, der zwischen den Stühlen sitzt und gerne wäre, was er nicht sein kann.

Criminal Squad 2 entspannt, unterhält und hat – und damit macht er schon vieles richtig – keinen nennenswerten Leerlauf. Es verhält sich auch so, dass man sich an dieses ungleiche Buddy-Duo doch noch gewöhnt, denn sie passen auf ihre Art gleichermaßen zusammen und auch nicht, eine erquickende Ambivalenz lässt sich hier finden. Den richtigen großen Wow-Effekt besitzt der Film damit aber nicht. Von allem mag gerade genug vorhanden sein, um sich am Ende einer Arbeitswoche von anspruchsloser, aber solider Thrillerkost berieseln zu lassen. Im Nachhinein soll es gerade noch keine verlorene Zeit gewesen sein.

Criminal Squad 2 (2025)

Red One – Alarmstufe Weihnachten (2024)

WORKFLOW AM NORDPOL

5,5/10


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LAND / JAHR: USA 2024

REGIE: JAKE KASDAN

DREHBUCH: CHRIS MORGAN

CAST: DWAYNE JOHNSON, CHRIS EVANS, LUCY LIU, J. K. SIMMONS, BONNIE HUNT, KIERNAN SHIPKA, KRISTOFER HIVJU, NICK KROLL, MARY ELIZABETH ELLIS U. A.

LÄNGE: 2 STD 4 MIN


So hat man den Weihnachtsmann noch nie gesehen. Weder verbirgt ein Doppelkinn den Hals eines beleibten Fatman namens Tim Allen, der notgedrungen den Job von Santa Clause übernehmen muss, noch ist dieser Geschenkebringer ein keulenschwingender Brutalo wie in Violent Night, noch so zuckersüß wie Richard Attenborough in Das Wunder von Manhattan. Dieser rotgekleidete Geselle hier hat ordentlich Muckis und dementsprechend Kraft in den Ärmeln, und einen Stoffwechsel, der tonnenweise Kekse und literweise Milch auf effizienteste Weise in verbrauchte Energie umwandelt. In Red One – Alarmstufe Weihnachten ist J. K. Simmons (Oscar für Whiplash) ein Santa Claus, wie er nicht im Buche steht: Kernig, lakonisch, vernünftig. Ein friedfertiger kluger Kopf, fast schon weise, nachdenklich, und niemals zu Gewalttaten fähig. In diesem Terrain macht Dwayne Johnson als des Weihnachtsmannes Leibgarde seinen Job. Der sympathische Schrank von einem Mann steht in den Kaufhäusern dieser Welt an der Seite des netten Onkels vom Nordpol, um Störenfriede vor die Tür zu komplimentieren. Es ist viel zu tun in der Vorweihnachtszeit, dank eines ausgeklügelten Portalnetzes und anderen Raffinessen, die überhaupt und erstmalig erklären, wie das mit dem Kamin, den Geschenken und dem burnoutbeschwörenden Überall-Gleichzeitig-Sein funktioniert, lässt sich, wenn alle anpacken, das Weihnachtswunder auf den Punkt genau perfektionieren.

Doch leider gibt es Neider wie die Weihnachtshexe Grýla, gegen die der Grinch wie der Botschafter des Weihnachtsfriedens wirkt. Diese will die schönste Zeit im Jahr gar nicht erst geschehen lassen, also lässt sie Red One kurzerhand verschwinden. Das geschieht dank des Hackers O’Malley, gespielt von „Captain America“ Chris Evans, der gar nicht weiß, wozu er wem verholfen hat. Johnson kommt ihm alsbald auf die Schliche, gemeinsam haben sie nur wenig Zeit, den reibungslosen Ablauf des Festes der Liebe wieder zu gewährleisten.

Quer durch den mythologischen Garten geht die Reise. Dabei begegnen die beiden martialischen Schneemännern und in deutschen Landen dem Krampus höchstpersönlich, der diesmal so aussieht wie aus den alten Büchern. Jake Kasdan, verantwortlich für die geglückte Neuauflage des Jumanji-Franchise 2017 und 2019, lässt Autor Chris Morgan, der wiederum in der Welt von Fast and Furious zuhause ist, ein Agenten- und Geheimdienst-Abenteuer mit dem Faktor des Phantastischen erfinden. Viel CGI und aalglatte Action, die man nicht wirklich spürt, bringen so allerlei Versatzstücke aus Action- und Weihnachtsfilm zusammen, so, als bekäme man tellerweise Weihnachtskekse gereicht, die den Sodbrand fördern. Zuckerwatte gibt’s obendrein, alles ist schön bunt, alles ganz solide. Und nichts bleibt wirklich prägend in Erinnerung. Red One – Alarmstufe Weihnachten ist ein generischer Mix ohne prägnantem Stil. Ganz nett anzusehen, zum Zerstreuen vor und nach den Feiertagen vielleicht ganz gut geeignet, in Stimmung lässt sich damit auch ganz gut kommen, sofern triefender Last Christmas-Kitsch niemanden abholen kann. Überdies, wenn man alle Klassiker des saisonalen Genres schon durch hat, können Vibes wie diese durchaus willkommen sein, auch wenn sie wenig Schwung in die Bude bringen.

Als nobler Neuansatz bleibt letztlich nur J. K Simmons bestehen. Mit ihm wird die Botschaft des ewigen Kindes in uns Erwachsenen zur treibenden Kraft dieses Mysteriums, das wir jährlich so gerne zelebrieren. Der Glauben an das Gute ist dem, der sich als Nikolaus von Smyrna outet, auf glaubwürdige Weise inhärent.

Red One – Alarmstufe Weihnachten (2024)

Wolfs (2024)

NACHTSCHICHT FÜR SCHÖNLINGE

3,5/10


Wolfs© 2024 Apple TV+


LAND / JAHR: USA, VEREINIGTES KÖNIGREICH 2024

REGIE / DREHBUCH: JON WATTS

CAST: GEORGE CLOONEY, BRAD PITT, AUSTIN ABRAMS, AMY RYAN, POORNA JAGANNATHAN, ZLATKO BURIĆ, RICHARD KIND U. A.

LÄNGE: 1 STD 48 MIN


„Was ein Mann schöner is wie ein Aff‘, is ein Luxus.“, meinte einst Tante Jolesch. Folgt man dieser Weisheit, ist der Luxus in vorliegendem Film fast schon obszön. Denn was sind die beiden nicht für schöne Männer? George Clooney und Brad Pitt sind eine Augenweide, wohl die größten Augenweiden seit Sean Connery, der ja unangefochten und bis ins hohe Alter als der Sexiest Elder Man Alive gelten konnte. Jetzt rücken diese beiden Superstars nach, und sie sehen besser aus als je zuvor. Brad Pitt mit sechzig, Clooney mit dreiundsechzig Lenzen, und beide benötigen dringend einen Espresso, am liebsten aus dem Hause eines gewissen Schweizer Lebensmittelkonzerns. Wider Erwarten aber interessiert Kaffee hier niemanden die Bohne, obwohl sich Clooney und Pitt die ganze Nacht um die Ohren schlagen, anstatt irgendwo weitab lästiger Unbequemlichkeiten ihren Charme zu pflegen. Wolfs nennt sich die lederjackige, nokturne Krimikomödie, inszeniert von Spiderman-Reboot-Profi Jon Watts und dank eines kraftlosen Skripts entsprechend kraftlos in Szene gesetzt.

Ja, das kommt jetzt ein bisschen plötzlich. Gerade noch ergötze ich mich an der maskulinen Eleganz zweier Kino- und Werbelegenden, und dennoch reicht dieses Charisma im Doppelpack nicht aus, um mit Wolfs einen den Schauspielern adäquaten Kraftakt zu absolvieren. Wir sehen: Schönheit und Bekanntheit allein reichen nicht, um frappante Mängel eines Films zu kompensieren. Da wirken beide wohl eher verloren als gefordert, eher antriebslos als vom Sog einer schicksalsträchtigen Nacht mitgerissen. Vielleicht hätte man das Problem, mit welchem dieser Film hadern muss, vorab vermuten können: Die siegessichere Prämisse, dass Stars bereits die halbe Miete sind; die gemähte Wiese; der mächtige Brocken auf der Habenseite. Was soll da schon schiefgehen?

Zu Beginn des Films schon mal einiges, aber das ist wohl inhaltlicher Natur. In einem Hotelzimmer muss die New Yorker Staatsanwältin Margaret (Amy Ryan) erschrocken feststellen, dass ihr „Mann für gewisse Stunden“ aufgrund einer Überdosis Drogen plötzlich das Zeitliche gesegnet hat. Da liegt er nun, zwischen den Scherben eines Beistelltisches. Was also tun? Die völlig verstörte Dame klingelt bei George Clooney, der als gewiefter und akkurater Problemlöser dann auch vor Ort aufschlägt und sich an die Arbeit macht. Das alles wäre ein Routinejob, würde nicht auch noch Brad Pitt mit hoteleigenem Schlüssel ins Zimmer schneien. Obwohl der eine den anderen gerne hinauskomplimentieren möchte, müssen beide letzten Endes wohl zusammenarbeiten, um auch die Tasche voller Koksziegel wieder an den Absender zu bringen, um Komplikationen zu vermeiden, die das Hotelmanagement nicht haben will. Womit beide wohl nicht rechnen: Der tote Gigolo ist vielleicht gar doch nicht so tot wie angenommen. Für den Rest des Abends gibt’s für Zusatzjobs wohl kein Zeitfenster mehr.

Gentlemen wie Clooney und Pitt können noch so tun, als würden sie sich nicht ausstehen können – ihr ewiger Hickhack, der sich anfühlt, als würden sich Spencer Tracy und Katherine Hepburn necken, obwohl sie sich lieben, fällt viel zu zahnlos aus, um daraus einen privaten Konflikt zu entwickeln, der vielleicht diesen fadenscheinigen Plot gerettet hätte. Viel tut sich nicht in dieser einen Nacht, und ob nun heiße Ware ihren Besitzer findet oder nicht, tangiert nicht im Geringsten. Als Thriller, der sich mit einer Konkurrenz von hunderterlei ähnlichen Filmen messen muss, versagt die seichte Angelegenheit völlig. Ob Kroaten, Albaner oder sonst wer, die hinter dem Stoff und vielleicht auch hinter Clooney und Pitt her sind – sie alle sind verschenkte Stereotypen.

Wer die beiden feschen Superstars, die sich kaum anstrengen und genau wissen, was ihre Ausstrahlung hergibt, mehr oder weniger an die Wand spielt, ist Austin Abrams (u. a. Scary Stories to Tell in the Dark) als von seinem Drogentrip Genesender, der erst langsam, aber doch, die Gefahr wittert, in der er sich befindet. Für so einen Film aber zwei Idole zu verschleudern, die sichtlich unterfordert nur darauf warten, am Ende der Nacht dann doch noch ihren Espresso zu genießen, ist verlorene Liebesmüh.

Wolfs (2024)